De formas que avanzan y formas que retroceden

Vamos a aprovechar este espacio de "avances pintureriles" para explicar un poco qué estoy haciendo, o al menos, tratando de hacer en esta pintura.

Las últimas sesiones (muy breves, estoy medio disperso) trabajé en ajustar la nariz (que le hacía falta un poco más de croma), en la mandíbula (a la que le tenía que quitar un poco de croma), y en el pómulo (el brillo). Adicionalmente, comencé a modelar la mano y el cuello con un poco más de cuidado.

¿Qué es lo que estuve buscando? Describir correctamente la forma. En líneas generales, si una forma retrocede en el espacio, tanto valor como saturación deberían bajar (exceptuando zonas de transparencias o luces rebotadas): si queda muy saturada, va a generar la sensación contraria (esto es, va a parecer que avanza en el espacio). La mandíbula era una zona que había quedado de ese modo y era necesario corregir.

En el pómulo, busqué distinguir el plano que enfrenta más directamente a la luz del brillo. En la nariz, la búsqueda era similar: tenía que agregar saturación a los planos adyacentes al brillo, para sugerir esa pigmentación ligeramente más rojiza que suele tener la nariz.

Entre las últimas dos imagenes, lo que busqué es suavizar los bordes del cabello, romper la rigidez, trabajar la oreja y el ceño. Los colores de la foto, sin embargo, son más precisos en la foto anterior.

Esto para que vean qué tipo de delirios racionales estoy pensando cuando pinto.




Para alternar, un dibujo del Davido. Empezó como un ejemplo de construcción de figura en una clase, luego de lo cual me entusiasmé y decidí continuarlo. Tomen nota: vean qué sucede cuando uno no estima bien el espacio que va a utilizar. Ehem.

Perchance to dream

Y henos aquí (a mí y todos mis yoes) comenzando una nueva pintura. La necesidad casi urgente de comenzar ALGO hizo que, una vez más, ni la idea ni la planificación fueran todo lo desarrolladas que hubiera preferido. Sin embargo, sin embargo, sí me di el gusto de comenzar el trabajo con el dibujo medianamente acabado. Una vez realizado, transfer con carbonilla y manos a la obra.

Será una obviedad, pero tener el dibujo resuelto antes de comenzar a pintar ayuda MUCHO a no estar engrosando la capa de pintura por simples necesidades correctivas. Y eso hace que sea posible jugar con distintas cualidades de la pintura (opacidades y transparencias, por ejemplo) que de otra forma se complicaría.

El fondo verde inicial se corresponde simplemente con que la tela que tenía a mano tenía esa base preparada. Hubiera preferido que no estuviera, pero ahí está y viviré con ello.

Perchance to dream, óleo sobre tela
50x80 cm

Tonificación grafitera

Mientras sigo pensando qué pintar, mantengo los lapices afilados con bocetos y ejercicios. Aquí, dos de los últimos días. Una copia de Bargue (que nunca viene mal para mantener tonificados los músculos dibujeriles) y un boceto de mi amiga Nadia, a pleno canto.

Cast painting project 2

Finalmente, después de algunas dudas en torno a dejar o no las sombras transparentes, la balanza se inclinó por repasarlas con pintura opaca. A ello se le suman ajustes finales de bordes y transiciones. El color es más adecuado en la última imagen.

Life drawing 3

Cast painting project

Como corresponde a un joven aplicado, luego de terminar con el dibujo, heme aquí arremetiendo nuevamente con el amigo cast, esa vez para realizar una pintura monocromo (y otra vez, utilizando la técnica de trabajo aprendida en GCA)

Cast finitto

Finitto!
(ahora si eh, ya no lo toco más... capaz)

Cast drawing
HB+2H afiladísimos+Goma miga de pan+Goma dura+bastante paciencia+conceptualización de los planos

Y más lápices

Life drawings 2

Algunos trabajos más del natural.

Las dos figuras corresponden a la misma sesión de modelo vivo. La primera, una pose de aproximadamente diez minutos, la segunda, más completa, una pose de aprox. 40 minutos.

Por último, un avance del cast que vengo haciendo por mi cuenta siguiendo la metodología aprendida en GCA bajo la tutela de Josh LaRock, para fijar algunas cosas. Parece que lo recuerdo bastante bien! Sólo HB afilado, goma miga de pan, goma dura y paciencia.

Life drawings

Algunos dibujos del natural. Exceptuando el cast, entre 10 y 35 minutos.







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GCA: a modo de conclusión

Y heme aquí, retornado.
Procesando experiencias, re-escribiendo notas, re lanzando el taller, ejercitando técnicas, dibujando y pintando de nuevo, ahora en el hogar.

La experiencia de trabajar en GCA fue realmente mucho más de lo que esperaba.
Cada workshop aportó ingentes cantidades de información, teórica, práctica y experiencial.

Josh LaRock, Camie Davies y Scott Waddell no son sólo grandes artistas, sino tambien extraordinarios profesores. Y lo bueno también fue que, a pesar de que los tres comparten un mismo marco teórico, cad uno de ellos introduce su propio matiz, su propio sesgo o versión, su propia variacion o ajuste en la técnica que hizo la experiencia aún mas enriquecedora.

Para que negarlo, estoy henchido de orgullosa modestia por haber tenido la humildad necesaria para comenzar con el workshop de dibujo: tenía mis dudas, es allí donde más fuerte me siento. Pero sin embargo, aprendí tanto! Sobre todo, pulí algunas nociones y encarné algunas ideas que, si bien ya conocía, no estaban siendo práxis aún. Y más aún, fue la puerta de entrada para que lo que vino después, tuviera mucho más sentido.

En futuros post iré comentando cuestiones técnicas.
Por el momento, les dejo tres imagenes, de mis tres trabajos.





De arriba a abajo:
1. Dibujo a lapiz (2h y hb, sin esfumar) de calco en yeso de la nariz de David
2. Retrato (óleo sobre lino; monocromo, tierra sombra y blanco) 40x60 cm
3. Figura (óleo sobre lino; color) 28x25 cm

Figure Painting workshop IV

Comenzo la pasada final!
Despues de explorar la forma, del viaje de reconocimiento que implica el ebauche, comenzo la pasada final. Ahora, se trata de una pasada mas opaca, que busca precision en el color y en el modelado.

Ah, y para que se den una idea, el rostro no tiene mas de 4 cm de alto.

GCA: Figure painting workshop III

The first week has ended, and all I can say is it was absolutely outstanding. Scott not only is a terrific painter (actually, one of the painters I admire the most), but also a wonderful teacher. His energy, generosity and passion to share and explain are truly admirable. From drawing to painting, from anatomy to mechanic of light on form, ways of working, color palette, detecting problems and suggesting solutions... well, I'm really impressed and really, really happy to be here.

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Aqui les dejo el trabajo del dia. Comenzo la primera etapa de la pintura. Despues de realizado el transfer, entonado la tela y levantado las luces, largamos con el ebauche.

El ebauche es simplemente un tipo de pre-pintado o underpainting; una pintura preliminar que, dependiendo del uso, modalidad y version que se escoja, puede servir tanto como una version exploratoria para recabar informacion y probar cosas antes de la pasada final, como para jugar con tensiones, vibraciones entre esta y la capa que agregemos despues.

La idea es mantener la pintura semi-transparente y en una clave mas clara de lo que pretendemos. Siempre hay tiempo para oscurecer, y en oleo, dada su transparencia, siempre resulta mas facil esto ultimo que lo contrario.

Ah, un dato! La pintura es bastante chica. La zona que ven en la foto tendra 30x20 cm

GCA: Figure painting workshop II

Y el dibujo continua!
Y con el, tambien importantes lecciones.

En GCA se acostumbra dividir el dibujo en una serie de fases progresivas. Se comienza de un modo optico, bidimensional, en donde se trata de capturar las grandes direcciones, los puntos de inflexion, las figuras abstractas que se conforman (tanto negativas como positivas), y se va avanzando progresivamente en subidivisiones cada vez menores, siempre midiendo, buscando puntos alineados verticales y horizontales, etc. En esta instancia, se trata de no pensar QUE se esta dibujando. Esto ayuda a setear parametros de referencia concretos para la siguiente instancia: La conceptual.

En la etapa tridimensional o conceptual, se empieza a pensar que implica cada linea en terminos espaciales y estructurales: se tratar de comenzar a visualizarlo y entenderlo no mas como una direccion, sino como un plano o figura geometrica en el espacio. Asi, cada linea se transforma en una convexidad (el cuerpo es siempre pleno, nunca concavo), se empiezan a buscar y construir referencias anatomico estructurales, etc, etc. Por que esto se hace ahora y no la instancia anterior? Porque si se empieza conceptual, se termina con algo muy generico, muy simbolico.

En mi caso, se ve que me la ansiedad me gana y me zambullo muy rapido en la segunda instancia (en la que parece, ademas, soy bueno). Asi que hold a moment please, a trabajar un poco mas en la primera.

Les dejo la ultima etapa del dibujo, el transfer (esta vez, con carbonilla) y el wipout, que viene a ser algo asi como un manchado preliminar para salir del blanco de la tela, y vagamente señalar luces y sombras.