Work in progress

Aquí, algunas imágenes de la última pintura en la que estoy trabajando. Como podrán ver, esta modalidad de pintura empieza por cubrir toda la tela, y va trabajando de las grandes masas a los detalles (en oposición a otro método -también válido y que también trabajo- de pintar parte por parte, no pasando al área siguiente hasta que la sección en que estoy no tenga un acabado importante).

Óleo sobre tela, 1m20x70.
Sin nombre aún.








ps: no se si se aprecia, pero entre el boceto inicial y como está quedando, hubo cambios de opinión importantes en cuanto al diseño...

¡Vendido!

En los últimos años, vendí bastantes ilustraciones. Trabajos para tapas de libros, revistas, interiores, etc. Pero cuadros, lo que se dice cuadros, más allá de algunas ofertas inconclusas y arreglos que no terminaron de cerrar, no había vendido ninguno. Hasta ayer. Que conste entonces: el viernes 17/07/20209, vendí mi primer tela. Albricias. :)


Cuestion de Foco. Óleo sobre tela. 90x70 cm.

El aire entre la mirada y los objetos

Mi vida entera, le dijo Rembrandt al médico, la dediqué a reproducir, no los cuerpos de las personas que me pagaban para que yo las ubique dentro de mis cuadros, no cada nariz y mejilla pelo y vestido que se me puso por delante, sino el aire que existe entre la mirada y los objetos; quise pintar la luz como materia, porque así la vi en el depósito de mi padre. Quise lograr eso, y no sé si pude. Pero dicen que hay otro que sí llegó más lejos que yo: está en España y se llama Velazquez.

Rembrandt, según Daniel Guebel, en Derrumbre.

El movimiento de lo inmóvil

Esta pintura la había dado por concluída allá por marzo de este año. Sin embargo, no me convencía. Me daba rabia tanto trabajo en el rostro para que, en conjunto, no me gustara. Así que el último mes decidí volver sobre ella. Le hice algunos ajustes en el rostro y destruí el espacio anterior. ¿El resultado? Si bien aún no me convence del todo, me gusta bastante más que antes. Cosa que no es poco.

Óleo sobre tela. 90x60 cm



Detalle:

Concepto: foco divergente

Se dice que a las pinturas, a las "obras", se las debe dejar hablar o explicarse por sí mismas. Y para ser sincero, hay buenas razones para dejarse seducir por esta idea. La realidad es, sin embargo, que nos la pasamos explicando nuestras intenciones, nuestros deseos, y si bien los "resultados objetivos" pueden decir más, decir menos o simplemente algo distinto a lo que pretendíamos, ese resultado no deja de cargar con esta tensión, ES de hecho la efectuación de esta discordancia. Y la pintura, a pesar del ruido que pueda introducir el tratar de explicarla, si tiene algo que decirle a alguien, lo dirá. Y si no, se encerrará en obstinado mutismo. Es por eso que esta introducción, que no pretende más que una camuflada disculpa por hacer exactamente aquello que en el fondo sospecha incorrecto, se corre milimétricamente de ese lugar, alegando que lo que explicará será únicamente una argucia técnica, un entusiasmo conceptual. ¿Qué idea, qué concepto está detrás de esta pintura? Básicamente, que lo más lejano estuviera definido, enfocado, y lo más cercano, borroso, fuera de foco. Al final era muy simple che.

Óleo sobre tela, 90x70 cm, unas veinte horas.

No se dibujar

"No se dibujar, ¿para qué intentar aprender dibujo?"
Ésta, sépanlo, es una gran mentira. Es algo más o menos equivalente a decir: "No estoy en estado físico, ¿para qué voy a ir al gimnasio?"

Todo el mundo, y lo digo con mayúsculas y colores rutilantes, TODO EL MUNDO PUEDE APRENDER A DIBUJAR. Lo compruebo una y otra vez, con todos y cada uno de mis alumnos, quienes en su mayoría tienen entre 25 y 50 años y jamás habían dibujado antes (salvo en aquellos gloriosos días de infancia, cuando no teníamos miedo a equivocarnos, a ser juzgados, y mostrábamos cualquier producto que saliera de nuestras manos con orgullo de eximio artesano).

¿En qué consiste aprender a dibujar?
Si bien la respuesta puede variar de persona a persona, por sus búsquedas individuales, inquietudes e intereses, en un plano general, aprender a dibujar consiste básicamente en dos cosas:

Por un lado, y esto representa un 15% cuanto mucho, una mínima gimnasia de la mano y de familiarizarse con los materiales. Pero en segundo lugar, y mucho más importante, aprender a dibujar es aprender a ver. O mejor dicho, re-aprender a ver. Devolver a la mirada ese momento pre-simbólico, cuando el lenguaje no le había puesto equivalente a las cosas que nos rodeaban (simbolito de arbol, simbolito de persona, simbolito de casa…). En otras palabras, aprender a ver allí donde ahora predominan los NOMBRES de las cosas, espacios, formas, recorridos, ángulos, luces y sombras.

Hay un tercer ítem, pero que hace referencia a las búsquedas personales.
Y es, por supuesto, el nivel de la expresión. Eso, mis amigos, es interno. Puede abonarse, pueden prepararse las condiciones, pero como las plantas, no las hacemos crecer, sino que crecen ellas.

Y lo mejor para lograrlo es, justamente, preparar el terreno para que, un día, por propia fuerza, surja nuestra voz.

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Hoy puedo decir con orgullo y alegría que he visto progresar increíblemente a todos y cada uno de mis alumnos, casi todas ellos sin ninguna experiencia previa, de edades y backgrounds muy disímiles. Y descubrir, o redescubrir, junto con ellos, el placer de darse un tiempo apartado de todo, para simplemente escuchar el ruido del lapiz contra el papel, viendo cómo en donde nada había, aparece lo que imaginamos.

Para más info, ver qué cosas vemos en clase y conocer trabajos de alumnos, acceder al Taller de Dibujo y Pintura

Contacto: arielgulluni@yahoo.com.ar

Caravaggio

Copia de Caravaggio, óleo sobre tela, 60x40cm

Óleo sobre tabla II

Nuevo trabajo de características similares al anterior. Creo que con mejor éxito que la primera. Pero claro, también el original es Davinci!

A nivel comparativo, puede ser interesante señalar que mientras en Piero della Francesca el dibujo, la línea y la geometrización de las formas están muy presentes organizando el trabajo, en Davinci la línea se hace difusa, se pierde, se hace dificil separar el mundo de la luz y de la sombra. Los límites entre ambos se hacen difusos, sutiles, lo que a la hora de pintar resulta un desafío mucho mas interesante, dado que no hay tanto "de donde agarrarse".

Óleo sobre tabla I

Este trabajo fue realizado entre septiembre y diciembre del 2008, con el exclusivo fin de entrenamiento en una técnica ortodoxa y casi en desuso. Está realizado por entero a pincel redondo fino (2 y 3 para el rostro, 6 para el fondo), con un minucioso trabajo de modelado que deshace casi todo rastro de pincelada, y utilizando permanentemente un tutor para descansar la mano y ejercer la mínima presión sobre la superficie. El soporte es tabla entelada, de 35x50 cm. Sólo dos colores: blanco titanio y tierra sombra natural. El motivo original es de Antonello da Messina.

Nuevas portadas

Las siguientes tres portadas fueron realizadas entre diciembre y febrero para Ed. Via Magna, a través del estudio de diseño "Quimeras". De izquierda a derecha: "Timothy y las puertas del Dragón", "El Poder del Mago" (Carolina Lozano, Ed. Pegasus) y "Lazos de Sangre" (Pamela Freeman, Ed. Pegasus).

Chiaroscuro

Mi evidente - y envidiable- talento fotográfico nos deleita una vez más con unas pésimas fotos de mi último óleo sobre tela (60x80 cm). Como no puedo decidir cual es peor, dejo las tres. Una síntesis de las tres lograría recordar -remotamente- el original.

Última pintura de 2008

Con cierto retraso producto de imposibilidades fotografigénicas, aquí un óleo de cierre del 2008, un ejercicio más, un retrato más, explorando una pincelada distinta.

De balances

No hay caso, fin de año sugiere mirar atrás y ver qué se hizo, qué pasó.
Y miro atrás y sonrío. Hermoso año, éste que pasó.

• Seis portadas de libros (grande Quimeras!)
• Seis grandes freelances
• Empezar a estudiar pintura en serio (ocho telas en cinco meses!)
• Exposición en Objeto-a
• Reconciliarme con la enseñanza: 6 Alumnos en casa, 6 alumnos en Objeto-a
• Un total de 16 pinturas en tela
  
• Y aunque esto excede listas y enumeraciones, como no decirlo: Conocerla!
  

Pavada de año!!

Back To Basics

Tres estudios, todos óleo sobre tela. Septiembre, octubre y noviembre de 2008 en el taller de Lula Mari.

Algunas portadas

He aquí dos trabajos para portadas de libros; el tercero, un boceto de yapa.
Todos, bocetos a lapiz, despues wacom.

De jovenes artistas posmodernos*

"No iba a imitar a la naturaleza**, así que, en vez de pintar un jazmín, puse un jazmín en un baúl y lo presenté en la galería. Quedaron encantados"

"Me re-interpela tu trabajo"

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* Lo arriba citado fue escuchado al pasar.
** Horror! la representación! Dios nos proteja de tamaña calamidad.
Algún día habrá que explayarse para derribar el mito de la imitación, si me perdonan la espantosa cacofonía; demostrar que la pintura realista, o al menos, cierto tipo de pintura realista, no trata en absoluto con la imitación. Ilusión, quizá si, lo concedo. Tengo la sospecha que este tipo de argumentos lo único que demuestran es que, por más que tratase, la persona en cuestión no hubiese podido pintar un jazmin convincente en su vida. Un jazmin que hasta parezca latir, vivir, olerse. Pero, como dicen:"la naturaleza ya lo ha hecho, y lo ha hecho mejor; para que repetirlo?"

De citas

That you can learn the rules of painting and then, cameralike, reproduce whatever you see on your canvas is a misconception that is partly responsible for the notion that only those painters who distort reality are using their creativity.
Gregg Kreutz

The biggest difference between twentieth-century painting and the painting that preceded it is depth: modern painting isn't concerned with it. Modern painting is about flatness; it explores possibilities of a flat canvas. Klee, Picasso, Mondrian, Pollock, Motherwell, all of them, to a greater or lesser extent, champion the two-dimensional surface.The “integrity of the picture plane” is what they are exploring.
Even the new realism that's emerged over the last fifteen years doesn't violate that flat sensibility.The new realist paintings, for the most part, are derived from, and look like, photographs. The viewer's reaction isn't "Doesn't that look real!" but, "Doesn’t that look like a photograph!".Flatness is preserved. Why a whole culture should have renounced such a rich tradition as chiaroscuro painting is a big puzzlement.
Gregg Kreutz

If I were an artist, I wouldn’t paint.
Odd Nerdrum

Óleo finalizado

He aquí la versión final. Sólo le falta barnizarlo. Posiblemente no se perciban muchas diferencias respecto a la versión anterior, pero, aunque sutiles, estas diferencias existen, creanmé. Le di más calidez a las sombras, apliqué veladuras, suavicé un poco el rostro femenino, mejoré los cabeios, etc.

(pintura censurada)
Sin título. Óleo sobre tela. 60x70 cm

De yapa, detalle de otra pintura:

"Rompeme la línea"

En los últimos años, una frase -cosa curiosa, siempre en boca de mujeres- me estuvo siendo espetada en lo que respecta a mi "recorrido artístico".

La frase en cuestión rezaba: "tenés que romper la línea". Doy fe de por lo menos tres personas que, acaso preocupadas por mi estancamiento, me sugerían (bienintencionadas ellas) formas de progresar.

Yo prestaba ávidos oídos a esas voces. Eran voces que habían estudiado artes y por lo tanto "sabían de lo que hablaban". Me consternaba mi limitación. Quería progresar y pensaba cómo superar mi prisión figurativa, mi carcel de la línea.

Hace poco descubrí que esta frase tiene muchos muchos años. Se viene diciendo como loro en las escuelitas de arte, ganadas por la ideología del arte moderno, que por sobre todas las cosas hace hincapié en lo obsoleto del arte figurativo. Por detras hay por lo menos un par de supuestos: primero, que hay un tipo de evolución en la historia del arte, y segundo que se corresponde con las distintas edades o etapas de una persona.

Así, el arte de Rembrandt, Velazquez, Da Vinci, Caravaggio, Waterhouse, Bouguereau y tantos otros, (desde ésta óptica, quizá la adolescencia) está completamente perimido desde los impresionistas, y sobre todo, después de eso que se dió en llamar "expresionismo abstracto", acaso la adultez artística. Y esta progresión histórica, que tiene correlato estricto en la vida artística idividual, está ejemplificada en la vida de Pablo Picasso, quien de adolescente era figurativo/realista, y después se dió cuenta de la papa y empezó a pintar otras cosas.

Bueno, saben que? Patrañas.

Muestra en puerta - Mantis

Parientes, amigos, conocidos y apenas eso, el jueves 9 de octubre a las 19hs será el ¿bar mitzva? No, el...¿ágape? No... tiene un nombre específico esto pero definitivamente hoy se me escapa... ¿la inauguración?... En fin, la apertura de la muestra que organiza Objeto-a dedicada al género fantástico, a la cual han tenido la deferencia de convocarme, no en tanto pintor sino como ilustrador, para que participe con algunas obras en tinta china.

Los invito, más que por las escasas obras que estaré mostrando, por el bien preciado champán que se distribuirá gratuitamente y por sobre todo, para que conozcan Objeto-a, espacio artístico donde hoy estoy enseñando dibujo y que está realmente muy bonito.

Jueves 9, 19 hs,
en Niceto Vega 5181 (Entre Thames y Uriarte)

Saludos a granel

Ariel.


Manos. 50x40 cm.
Tinta china, a la que olvidé escanear el sector medio. Terrible no? Donde tendré la cabeza...

PS: ( editado el 6 de octubre) VERNISAGGE!!
ps2: a mis amigos judíos, que ahora me doy cuenta que tengo un montón, espero que los perdonen lindo!!