Dibujos del natural

Una compilación de últimos trabajos realizados del natural

Dibujo en proceso /  5 hs aprx / Grafito y pastel tiza sobre canson mi teintes gris

Juli del natural (mientras dibujaba, en el taller)

Silvia

Mati

De barnices, colores y fotografías

El advenimiento de la muestra en el Camarín de las Musas hizo que motorizara algunos pendientes y postergados; cantos de los bastidores, ajustes, retoques, barnices y fotografías. Algunas cosas terminaron, finalmente, después de casi un año en el freezer, de cuajar. Ahorita mesmo nomás. Y tras los barnices vinieron nuevas fotografías. Y con las fotografías, creo que estoy, finalmente, aprendiendo a sacar mejor el color de las pinturas en fotos. Un poco, al menos, y generalmente en detalles, no en el conjunto. Acá una muestra (puede compararse con la versión más amarillo-naranjosa que esta en la sección pinturas)

Síntesis y modelado: planos vs transiciones

La síntesis da fuerza, estructura. Organiza. Obliga a comprender qué está pasando en la forma en su nivel más básico. Ayuda a pensar las subformas como asentadas sobre formas mayores.

Ahora bien, es dificil sintetizar si no se entiende qué es lo que se está suprimiendo. Qué es lo que necesito sacar, qué es lo que dejo y por qué lo dejo. De ahí que suele ser necesario trabajar la contraparte de algo para poder entender mejor ese "algo".

El modelado ayuda a ver el giro de las formas. Las transiciones. Las sutilezas. El volumen. Inculso el aire. Es así como el plano sostiene al modelado, pero el modelado ayuda a entender el plano e incluso otorgarle aire cuando lo necesita. Y visciversa, por supuesto. El exceso de modelado suele ir en detrimento de la estructura. Perdemos las aristas, los huesos, la solidez. 

Para entender el plano, hay que trabajar la convexidad. Para entender la convexidad, hay que recurrir al plano. Es, una vez más, la vieja máxima de encontrar la recta en la curva y descubrir la curva en recta. Esa diferencia interna, esa pequeña heterogeneidad al interior de una homogeneidad es lo que brinda tensión e interés. Sucede lo mismo con el color. 

En otras palabras, en la práctica pictórica misma, se trata de un movimiento dialéctico que va del plano-mancha-impresión (simplificación intuída), pasa por el modelado (descubrimiento y exploración de la forma), vuelve al plano esta vez como estructura-síntesis (simplificación ahora estructurada y comprendida), y vuelve al modelado para las sutilezas. Por supuesto, hay idas y venidas todo el tiempo. Nada suele suceder tan linealmente ni en órdenes tan específicos. 


Por último, una nota sobre las estilizaciones: hay atractivos propios de acentuar cada polo. El polo planar o el polo de la continuidad. Por supuesto, será en los gustos artísticos que pueda encontrarse la respuesta.

Muestra aproximándose

Sí si. Así parece. Al menos, todo lo indica.

Con el fin de año aproximándose raudo en el horizonte, no esperaba ya que esto pasara. Mis energías se habían volcado a la muestra de mis alumnos y pensaba trabajar para exponer el año que viene. Pero no. Algo pasó antes. Surgió así como un relámpago en medio del cielo despejado. Así, tal cual, llegó una invitación. Un ofrecimiento: exponer en  El Camarín de Las Musas.

El 15 de noviembre, a las 20 hs, inaguración.
Fa. Quién lo hubiera pensado eh.

Ampliaremos.

Pintando del natural: modelo vivo (uno más)

En... julio (uff) empezamos una nueva pose con Sofía y el señor Lastiri. Es decir, la pose la aportaba Sofía, Lastiri y un servidor solamente dibujábamos y pintábamos, respectivamente. La idea fue y sigue siendo, hacer poses largar. Breves hay en todos lados (ah, la vida moderna), lo interesante es empujar todo lo que se pueda (aun cuando uno se diga... y ahora qué MÁS le hago?) y darse realmente tiempo de ver y de gestar un trabajo. Dilatar el tiempo. La experiencia de trabajar del natural es muy rica. Las variaciones, los movimientos, la tridimensionalidad, el aire, la humedad... todo está ahi. La vida en definitiva, Hasta septiembre estuvimos con la pose, aunque no con toda la continuidad del mundo. Tres horas por sesión, habran sido unas... diez sesiones capaz? Algo así. Van aquí algunas fotos del proceso.

Desayuno

Última pintura concluída.
Óleo sobre tela. 100x70cm Más adelante postearé el proceso.

Edelfelt

Admiro los "academies" del siglo XIX. Hay tanto para aprender de ellos. Cómo agrupaban las luces, cómo agrupaban las sombras y los mediotonos, cómo sintetizaban, cómo mantenían la unidad de las formas, el diseño, el volumen, los planos, el modelado, el color.

Elegí un trabajo que Edelfelt realizó de modelo vivo mientras estudiaba con Gerome. Me gusta el modo en que pone a funcionar todo eso: un delicado equilibrio entre la concepción planar/estructural y el modelado, la unidad de la luz, la unidad de las sombras, la unidad del todo, el diseño, la espacialidad. Y este va siendo el resultado.

Debo decir que creo que algo me ha hecho click con este trabajo. Es dificil decir exactamente qué, pero algo ha pasado. Algo empezó a funcionar de un modo distinto. Tengo que pensar y elaborarlo. Pero bienvenido sea.
Así que estoy contento. Salud!


El proceso:
1. Empecé el dibujo directamente sobre la tela (previamente teñida con una aguada ligera de tierra sombra natual y azul ultramar, tendiendo un poco más hacia este ultimo, para que sea más fria. Daba un tono gris claro de base.

2. Una vez el dibujo estaba medianamente satisfactorio (estrictamente, debería haberlo pulido un poco más... ah, la impaciencia!), establecí un tono aguado más oscuro para el fondo, de modo que me resultara más fácil juzgar las luces.

3. Comencé a trabajar sobre la zona que consideraba primero iluminada, es decir, la frente. La idea era tratar de usar pocas pinceladas, lo mas precisas que pudiera, para establecer una nota clara y distinta para cada plano, pensando en planos grandes. Por supuesto es imposible (para mi al menos) acertar todas y cada una de las notas en tamaño, ubicación, valor, tinte, saturación, direccion de la pincelada, forma (bidimensional), etc., de modo que muchas veces es necesario hacer varios intentos. Pero la clave es "hacer como si" cada pincelada fuera la definitiva. Te fuerza a pensar, a que cada pincelada no sea automática y cuente. Y cuando te equivocas, lo ves. Porque no estás ahi listo con otra pincelada rápida y preparada y automática (irreflexiva) para cubrir la anterior. Esa es una de las claves. Darle importancia a cada toque, aunque después falle.

4. Después, con el mismo criterio, fui avanzando por zonas, pero no "a pulir y terminar", sino pensando en grandes planos. Pinceladas relativamente amplias, diluidas pero no mucho, direccionales (dependiendo del caso, siguiendo el eje principal del plano, o "a través" de la forma),sintéticas. El 90% de la pintura está hecho con pinceles de mango largo, sintéticos, chatos y de tamaño relativamente grande para lo que estoy acostumbrado, de modo que me forzara a simplificar y no meterme demasiado a "renderizar el pixel". 

5. En muchas zonas plantaba primero una base simplificada general, un poco diluida, y sobre ella, con mas materia, refinaba los planos y subplanos, o modelaba donde me parecía necesario.

6. Otra cosa a la que trataba de prestarle detenida atención era a los cambios de temperatura de color.

7. Por último, otra cosa a la que le prestaba especial atención era a los puntos de conexión entre las formas, así como a los puntos de separación. Buscaba como mantener, a toda cosa, la unidad de las grandes formas. Y cuando una subforma amenazaba con hacer colapsar la unidad, volvía a simplificar, de modo de recuperar la integridad del área (ya sea que ésta estuviera en luz, medio tono o sombra). A la vez, buscaba variedad EN la unidad. Esa variedad puede darse por temperatura o saturación, el valor es más facil que rompa, pero a veces, si es sutil, puede mantenerse integrado. Ese es el delicado y dificil equilibrio que, creo, hay que esforzarse por conseguir.

Cuando todavía estaba con luz diurna nublada, el color se capturó así.
Es un poco más azulado de lo que corresponde, pero se ve mas detalle.

La tonalidad precisa de la piel es algo intermedio entre el anterior y éste.
Este capaz un poco demasido amarillo.

Casi final