Life portraits project - Retratos del natural

Hace tiempo ya que tenía ganas de volver a trabajar del natural. No sólo desde el dibujo, sino también con la pintura. Son experiencias muy distintas la de trabajar solo, ya sea de la imaginación o a partir de una fotografía, que la de trabajar del natural. Cuando trabajás con alguien, en primer lugar, es justamente CON alguien. Es en principio un intento de encuentro, algo que puede o no producirse, pero que requerirá una suerte de colaboración. De esta colaboración surgirá algo que excede lo que pueda preverse. Pintar del natural es una experiencia. Hay más para ver, más para elegir. Hay vitalidad. Hay movimiento. En fin, que está buenísimo hombre.

Por ello, se me ocurrió lanzar una convocatoria a amigos y conocidos, no modelos profesionales por una cuestión (aún) económica, que tengan ganas de posar un rato pero sin necesidad de inmovilidad absouta, sino más bien mientras tomamos unos mates y charlamos. A cambio de su gentil gesto podrán llevarse los dibujos preparatorios. La pose irá apareciendo, algo se irá asentando, algo iré eligiendo, algo se irá imponiendo, y comenzará a aparecer una pintura.

La primer persona en responder al desesperado llamado ha sido Miss Tennison. El primer encuentro habrá sido de... hora y media, poco más. En ese encuentro la idea fue resolver el dibujo. Ya sin ella presente, me dediqué a depurarlo, realizar algunos ajustes a la pose, y transferirlo sobre la tela.

El dibujo del natural.



Detalle del dibujo del natural, y una posterior esquematización que hice sobre una fotocopia clarita del dibujo para empezar a planificar el transfer.



Cuando casi tenía todo listo para pasar a la tela noté que la posición estaba un poco rígida, que no parecía que estaba apoyando su cabeza sobre la mano. Hice una serie de bocetos tratando de encontrar algo que pareciera más natural, y encontré uno que funcionaba. Lo dificil fue después hacer coincidir la pose del boceto suelto con lo rígido de la información que necesitaba para el transfer. Luego, hice el transfer con carbonilla. Pueden verse unas líneas rojas sobre el dibujo de la derecha: es la birome que usé para presionar del otro lado e ir viendo qué zonas ya había marcado.


Una vez realizado el transfer, y para no perder la línea, "entinté" todas los trazos en carbonilla con un pincel fino y óleo tierra sombra natural. Cuando completé este proceso de "fijado", puse un tono genérico para las sombras, casi como si pintara con acuarela, de modo de tener ya preparado el esquema general para la siguiente sesión con la modelo, donde comenzaremos a aplicar color.

De bocetos y copias

Lo interesante de las copias (siempre que sean reflexivas) es que uno va descubriendo lógicas insospechadas o formas de resolver problemas interesantes que el autor aplicó.

Por ejemplo, en este trabajome resultó interesante observar -en la pintura original- la sistematicidad lógica con que Sívori trabaja las sombras: en la sombra propia, cada segmento de sombra dura se sigue de uno blando. Las sombras proyectadas comienzan claramente rígidas y se pierden, las propias son siempre más blandas, mete aire en las sombras, etc etc etc

Copia de Sívori. Carbonilla sobre papel (la cual, confieso, no manejo ni a palos).

Realizada en alrededor de hora y media.

Adicionalmente estuve realizando unos cuantos trabajas con figura humana. Torsiones, anatomía, movimiento. Así que en la búsqueda de ejercitar esos aspectos terminé haciendo algunas copias rápidas de Proudhon. He aquí una de ellas, realizada en aprox 35 minutos.

Lápiz sobre papel

Un cast en proceso

Trabajar con lo básico, con las herramientas esenciales -materiales y conceptuales- del dibujo sigue siendo para mi una fuente inagotable de nuevos descubrimientos y redescubrimientos. Ese volver sobre las bases siempre te refuerza. Es una suerte de "Ah! ahora lo entendí!" o "ahora lo entiendo mejor" permanente.

Es por eso que aquí vuelvo con un cast. Ponerlo como modelo metodológico sería del todo inadecuado, porque de hecho hice muchas cosas "de impaciente" que suelo cuidar en las indicaciones a mis alumnos. No fijé bien un punto estacionario (es decir, DESDE DONDE estaba mirando la estatuila) no resolví completamente la figura en su aspecto bidimensional, el encaje evolucionó a los saltos, no terminé de aplanar las sombras antes de empezar a modelar en la luz, etc, etc. Sin embargo, creo que puede dar una idea de un método de trabajo que a mi juicio no solo da buenos resultados sino que te mete de lleno en la comprensión tridimensional de la forma.