Óleo sobre tabla I

Este trabajo fue realizado entre septiembre y diciembre del 2008, con el exclusivo fin de entrenamiento en una técnica ortodoxa y casi en desuso. Está realizado por entero a pincel redondo fino (2 y 3 para el rostro, 6 para el fondo), con un minucioso trabajo de modelado que deshace casi todo rastro de pincelada, y utilizando permanentemente un tutor para descansar la mano y ejercer la mínima presión sobre la superficie. El soporte es tabla entelada, de 35x50 cm. Sólo dos colores: blanco titanio y tierra sombra natural. El motivo original es de Antonello da Messina.

Nuevas portadas

Las siguientes tres portadas fueron realizadas entre diciembre y febrero para Ed. Via Magna, a través del estudio de diseño "Quimeras". De izquierda a derecha: "Timothy y las puertas del Dragón", "El Poder del Mago" (Carolina Lozano, Ed. Pegasus) y "Lazos de Sangre" (Pamela Freeman, Ed. Pegasus).

Chiaroscuro

Mi evidente - y envidiable- talento fotográfico nos deleita una vez más con unas pésimas fotos de mi último óleo sobre tela (60x80 cm). Como no puedo decidir cual es peor, dejo las tres. Una síntesis de las tres lograría recordar -remotamente- el original.

Última pintura de 2008

Con cierto retraso producto de imposibilidades fotografigénicas, aquí un óleo de cierre del 2008, un ejercicio más, un retrato más, explorando una pincelada distinta.

De balances

No hay caso, fin de año sugiere mirar atrás y ver qué se hizo, qué pasó.
Y miro atrás y sonrío. Hermoso año, éste que pasó.

• Seis portadas de libros (grande Quimeras!)
• Seis grandes freelances
• Empezar a estudiar pintura en serio (ocho telas en cinco meses!)
• Exposición en Objeto-a
• Reconciliarme con la enseñanza: 6 Alumnos en casa, 6 alumnos en Objeto-a
• Un total de 16 pinturas en tela
  
• Y aunque esto excede listas y enumeraciones, como no decirlo: Conocerla!
  

Pavada de año!!

Back To Basics

Tres estudios, todos óleo sobre tela. Septiembre, octubre y noviembre de 2008 en el taller de Lula Mari.

Algunas portadas

He aquí dos trabajos para portadas de libros; el tercero, un boceto de yapa.
Todos, bocetos a lapiz, despues wacom.

De jovenes artistas posmodernos*

"No iba a imitar a la naturaleza**, así que, en vez de pintar un jazmín, puse un jazmín en un baúl y lo presenté en la galería. Quedaron encantados"

"Me re-interpela tu trabajo"

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* Lo arriba citado fue escuchado al pasar.
** Horror! la representación! Dios nos proteja de tamaña calamidad.
Algún día habrá que explayarse para derribar el mito de la imitación, si me perdonan la espantosa cacofonía; demostrar que la pintura realista, o al menos, cierto tipo de pintura realista, no trata en absoluto con la imitación. Ilusión, quizá si, lo concedo. Tengo la sospecha que este tipo de argumentos lo único que demuestran es que, por más que tratase, la persona en cuestión no hubiese podido pintar un jazmin convincente en su vida. Un jazmin que hasta parezca latir, vivir, olerse. Pero, como dicen:"la naturaleza ya lo ha hecho, y lo ha hecho mejor; para que repetirlo?"

De citas

That you can learn the rules of painting and then, cameralike, reproduce whatever you see on your canvas is a misconception that is partly responsible for the notion that only those painters who distort reality are using their creativity.
Gregg Kreutz

The biggest difference between twentieth-century painting and the painting that preceded it is depth: modern painting isn't concerned with it. Modern painting is about flatness; it explores possibilities of a flat canvas. Klee, Picasso, Mondrian, Pollock, Motherwell, all of them, to a greater or lesser extent, champion the two-dimensional surface.The “integrity of the picture plane” is what they are exploring.
Even the new realism that's emerged over the last fifteen years doesn't violate that flat sensibility.The new realist paintings, for the most part, are derived from, and look like, photographs. The viewer's reaction isn't "Doesn't that look real!" but, "Doesn’t that look like a photograph!".Flatness is preserved. Why a whole culture should have renounced such a rich tradition as chiaroscuro painting is a big puzzlement.
Gregg Kreutz

If I were an artist, I wouldn’t paint.
Odd Nerdrum

Óleo finalizado

He aquí la versión final. Sólo le falta barnizarlo. Posiblemente no se perciban muchas diferencias respecto a la versión anterior, pero, aunque sutiles, estas diferencias existen, creanmé. Le di más calidez a las sombras, apliqué veladuras, suavicé un poco el rostro femenino, mejoré los cabeios, etc.

(pintura censurada)
Sin título. Óleo sobre tela. 60x70 cm

De yapa, detalle de otra pintura:

"Rompeme la línea"

En los últimos años, una frase -cosa curiosa, siempre en boca de mujeres- me estuvo siendo espetada en lo que respecta a mi "recorrido artístico".

La frase en cuestión rezaba: "tenés que romper la línea". Doy fe de por lo menos tres personas que, acaso preocupadas por mi estancamiento, me sugerían (bienintencionadas ellas) formas de progresar.

Yo prestaba ávidos oídos a esas voces. Eran voces que habían estudiado artes y por lo tanto "sabían de lo que hablaban". Me consternaba mi limitación. Quería progresar y pensaba cómo superar mi prisión figurativa, mi carcel de la línea.

Hace poco descubrí que esta frase tiene muchos muchos años. Se viene diciendo como loro en las escuelitas de arte, ganadas por la ideología del arte moderno, que por sobre todas las cosas hace hincapié en lo obsoleto del arte figurativo. Por detras hay por lo menos un par de supuestos: primero, que hay un tipo de evolución en la historia del arte, y segundo que se corresponde con las distintas edades o etapas de una persona.

Así, el arte de Rembrandt, Velazquez, Da Vinci, Caravaggio, Waterhouse, Bouguereau y tantos otros, (desde ésta óptica, quizá la adolescencia) está completamente perimido desde los impresionistas, y sobre todo, después de eso que se dió en llamar "expresionismo abstracto", acaso la adultez artística. Y esta progresión histórica, que tiene correlato estricto en la vida artística idividual, está ejemplificada en la vida de Pablo Picasso, quien de adolescente era figurativo/realista, y después se dió cuenta de la papa y empezó a pintar otras cosas.

Bueno, saben que? Patrañas.

Muestra en puerta - Mantis

Parientes, amigos, conocidos y apenas eso, el jueves 9 de octubre a las 19hs será el ¿bar mitzva? No, el...¿ágape? No... tiene un nombre específico esto pero definitivamente hoy se me escapa... ¿la inauguración?... En fin, la apertura de la muestra que organiza Objeto-a dedicada al género fantástico, a la cual han tenido la deferencia de convocarme, no en tanto pintor sino como ilustrador, para que participe con algunas obras en tinta china.

Los invito, más que por las escasas obras que estaré mostrando, por el bien preciado champán que se distribuirá gratuitamente y por sobre todo, para que conozcan Objeto-a, espacio artístico donde hoy estoy enseñando dibujo y que está realmente muy bonito.

Jueves 9, 19 hs,
en Niceto Vega 5181 (Entre Thames y Uriarte)

Saludos a granel

Ariel.


Manos. 50x40 cm.
Tinta china, a la que olvidé escanear el sector medio. Terrible no? Donde tendré la cabeza...

PS: ( editado el 6 de octubre) VERNISAGGE!!
ps2: a mis amigos judíos, que ahora me doy cuenta que tengo un montón, espero que los perdonen lindo!!

Retratista

Me resulta difícil medir progresos. Sin embargo, creo que estoy navegando sobre aguas favorables. He aquí un nuevo óleo, para variar sin terminar. Los retratados, mi papá y Yolanda. Por suerte no ven el blog, con lo cual al terminarlo quizá pueda hacer un regalo sin arruinar la sorpresa, je.

En el medio se sucedieron tres estudios, tres ejercicios que me resultaron sorprendentemente útiles. En otro post comentaré sobre la -al menos para mi sorprendete- utilidad de las naturalezas muertas (cosa graciosa, en ingles se dice still-life, ya lo analizaré algún día), algo que hasta hace poco me negaba sistemática y fervorosamente a hacer.


Óleo sobre tela - 60x70cm

Once more unto the bridge, dear friends, once more!

En este último tiempo (poco mas de 2 meses?) algo extraño (pero genial) fue sucediendo:

1. La ley de los contrarios u opuestos excluyentes que enunciara allá por enero, que rigió mi vida por años, se hizo añicos. Si si. Ambas cosas por primera vez se dan juntas y se potencian entre si. Mi sorpresa y gratitud, a flor de piel.

2. Estoy dibujando y pintando y aprendiendo más que nunca. Llego del trabajo, y a dibujar. Un estudio, un boceto, una pintura. Adicionalmente, estoy leyendo mucho sobre el tema y descubriendo cosas que no sospechaba sobre cómo funcionamos cuando dibujamos, formas de aprender y mejorar, etc. Se ha producido un circulo virtuoso entre los siguientes elementos: comencé a estudiar pintura (yess!), mis propias clases de dibujo, y mi propia producción.

3. Estoy haciendo lo que quizá sea una regresion a mis raices: realismo socialista viejaaa!!

Por todo esto, aquí una muestra: un oleo sobre tela (en progreso, por supuesto) y un sketch a lapiz de Linki.

"El arte abstracto no es ni arte ni es abstracto"

Los pintores realistas son el proletariado artístico.
He dicho.

(desarrollo, aquí)

Lápiz

Otro dibujo a lápiz. Me gustaría ser más paciente y minucioso, prolijo, detallista, pero no puedo -todavía no me sale- estar más de tres horas con uno de estos. Lápices (h, b y 2b) sobre papel, 15x12, aprox.

Finales

Subo aquí las versiones finales de dos pinturas que había presentado como "en proceso".
¡Gracias Martín por las fotos! (Cómo se nota cuando no las saco yo)

Casi había olvidado

...lo que me gusta dibujar a lápiz.

El sonido y la furia (ruido para silenciar el ilusorio reposo)

Para no dejar desiertos los paisajes blogeriles con el vacío de la no renovación, subo aquí dos trabajos en proceso. Uno, en acrílico, es completamente nuevo y me está dando dolores de cabeza. Desde el color de la piel del sujeto hasta cómo trabajar el fondo. El muchacho en cuestión fue marronoso, verde, gris y ahora porta un color más o menos piel. Pueden verlo aquí (les ahorro los intermedios...)


WIP 1. Acrílico sobre tela. 80x100 cm.

El segundo trabajo es peculiar.
Retomo aquí (haciéndome inesperado eco de la pregunta "cuándo se termina una obra") una pintura al óleo que data de julio del 2006 (ver), y que estaba, en teoría terminada. Esa pintura nunca me gustó. Muy lineal, ramplona, clichesca. Y encima, mal dibujada. Así que me tomé el atrevimiento (oh, atrevido) de regresar (ya veremos si triunfal o no) a los óleos despues de dos años, trabajando ENCIMA de una pintura vieja. Y cambió bastante. Y para mejor, me parece. Quizá, en una de esas, quien les dice, algo aprendí en este tiempo. En cierta forma, creo, estoy en proceso de amigamiento con esa técnica del enchastre por excelencia, ese medio de los olores impregnados por la casa, de los brillos, los matices, los blendsss, de lo eternamente fresco y amenazador: la pintura al óleo.


"Silencio" (wip). Óleo sobre tela. 40x50 cm.

Estructura de Clases

Como arrecian las consultas, quisiera en esta breve nota compartir con uds. de qué se tratan las clases de dibujo.

Un "programa" de dibujo, siendo todos distintos en cuanto a búsquedas, gustos y aptitudes, es una mera excusa para hacer dos cosas: por un lado, declarar que se puede aprender a dibujar, que ésta es una habilidad perfectamente adquirible, y por otro lado, ordenar una serie de ejercicios destinados a orientar la mirada (a que ésta se transforme en una mirada informada) y a desarrollar destrezas a la hora de controlar los materiales. Como aprender a nadar, a manejar o tocar el piano, el dibujo es una hábilidad global que tiene "aspectos" que pueden desarrollarse independientemente, y que en conjunto SON la habilidad global de dibujar.

Estos aspectos pueden dividirse en PERCEPTUALES, CONSTRUCTIVOS y MATERIALES.

Los aspectos perceptuales tienen que ver con informar la mirada y re-activar la espacialidad . Entrenarla para que sea capaz de ver en profundidad, sensibilizarla a contornos, ángulos, espacios positivos y negativos, proporciones, luces y sombras, etc

Los aspectos constructivos son nociones generales de dibujo que resultarán útiles a la hora de trabajar a partir de la imaginación, de descomponer algo que no entendemos, de resolver un problema, etc.

Por último, los aspectos materiales incluyen la capacidad actual de poner en el papel, mediante el conocimiento de las propiedades del material (esto es, lápiz y papel) lo que tenemos en mente; cuando, cómo y cuanto presionar o aflojar, cuando o cómo usar los distintos tipos de goma, cuando cambiar de lápiz, etc.

Para cada una de estas áreas, existen ejercicios que pueden ayudarnos a avanzar, y esto es lo que va orientando el esquema de las clases. Cuando se empieza algo nuevo, las técnicas, los trucos, consejos, procesos, estan todos DEMASIADO CONCIENTES (como cuando se aprende a manejar). Con el tiempo y la práctica, estos elementos dispersos se van interiorizando, automatizando, y al hacerlo nos permite empezar a buscar otras cosas en el dibujo, ya sea la creatividad, la expresión, el estilo, el ritmo, etc.

He aquí una aproximación más detallada a la estructura de trabajo.

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Filosofía de trabajo:

Cualquiera puede aprender a dibujar y alcanzar un nivel muy por encima de sus expectativas. Existen métodos de trabajo probados que ayudan a superar los temores y prejuicios iniciales, luego de los cuales uno puede volver a disfrutar del dibujo y comenzar a progresar.

El dibujo realista y figurativo es la plataforma más sólida para desarrollar las habilidades que permiten controlar los elementos de trabajo (lapiz, papel, etc) y sensibilizar la mirada.


¿En qué consisten las clases?
La idea es trabajar el dibujo representativo y figurativo, y si el asunto interesa, después pasar a la pintura representativa. ¿Por qué representativa, en ambos casos? Por tres razones fundamentales: primero, porque las técnicas transmisibles, el saber hacer, están de ese lado. Segundo, porque es más fácil saber dónde estamos parados, qué tenemos que corregir, qué tenemos que enfrentar. Y tercero, porque creo firmemente en que ahí, en la tradición clásica, está la plataforma fundamental para lograr nuestro estilo sea producto de nuestras elecciones más que de nuestras limitaciones.

Las clases varian de persona a persona, por que no todos tienen los mismos intereses (y sobre todo, no todo FUNCIONA igual para todas las personas), pero el "plan básico" es el siguiente:

PROGRAMA

1. Ejercicios para soltar la mano
   Gimnasia, sin ir más lejos; y reconocimento del material. En esta instancia el leit motiv es "let's draw baibi". Zambullirse, perder el miedo. Los primeros ejercicios tienen como fundamento animarse, y guardar un registro de nuestras habilidades al comenzar el taller.
   
   
2. Ejercicios de percepción:
   En esta fase comienza propiamente la instrucción. Estos ejercicios están orientados a combatir algunos prejuicios de la cabeza que tienen que ver con nuestra educación, con el predomino simbólico por sobre la percepción espacial, etc., prejuicios que no nos ayudan a VER lo que tenemos enfrente.
   
   
3. Ejercicios para trabajar el dibujo de línea
   La línea es el elemento clave del dibujo. Todo bien con el punto, pero quiza sea un poco abstracto para HACER algo con él. Bajo la égida de la línea tenemos a la FORMA, y como si esto fuera poco: emplazamiento, masa, ejes, direcciones, proporciones.
   
   En este módulo se exploraran:
   Usos de la línea: forma y figura, fuerzas, direcciones y composición
   Observación y construcción. Tipos de línea y sus usos: Línea contínua, Línea múltiple, línea modelada, línea discontínua.
   
   
4. Ejercicios de construcción a partir de la imaginación
   Para dibujar, no basta con VER LO QUE HAY. También tenemos que entender qué es eso que está ahí. Para ello, nada mejor que ejercicios de construcción. La clave: descomposición de formas complejas en formas geométricas básicas, enteder qué está detrás, que está delante, el volumen, etc.
   
   
5. Ejercicios de valor: Luces y sombras, modelado.
   Técnicas a explorar: Síntesis, Tramado y grisado o modelado completo.
   Materiales: lápices, tinta china, carbonilla.
   
   
6. Escorzo y perspectiva
   La perspectiva se verá de dos formas: informal y formal. La informal permite capturar la profundidad sin detenernos en puntos de fuga, línea de horizonte, etc. que es justamente el material de trabajo de la perspectiva formal.
   
   
7. Pintura
   Pintura es todo un nuevo mundo. Se trabajan los elementos del dibujo que aplican a la pintura (emplazamiento, masa, ejes, direcciones, proporciones, estructura de valor), a los que se le agrega la complejidad propia del nuevo material y posteriormente el color.
   

Para más información, contactar aquí:
arielgulluni@yahoo.com.ar