Edelfelt

Admiro los "academies" del siglo XIX. Hay tanto para aprender de ellos. Cómo agrupaban las luces, cómo agrupaban las sombras y los mediotonos, cómo sintetizaban, cómo mantenían la unidad de las formas, el diseño, el volumen, los planos, el modelado, el color.

Elegí un trabajo que Edelfelt realizó de modelo vivo mientras estudiaba con Gerome. Me gusta el modo en que pone a funcionar todo eso: un delicado equilibrio entre la concepción planar/estructural y el modelado, la unidad de la luz, la unidad de las sombras, la unidad del todo, el diseño, la espacialidad. Y este va siendo el resultado.

Debo decir que creo que algo me ha hecho click con este trabajo. Es dificil decir exactamente qué, pero algo ha pasado. Algo empezó a funcionar de un modo distinto. Tengo que pensar y elaborarlo. Pero bienvenido sea.
Así que estoy contento. Salud!

El proceso:
1. Empecé el dibujo directamente sobre la tela (previamente teñida con una aguada ligera de tierra sombra natual y azul ultramar, tendiendo un poco más hacia este ultimo, para que sea más fria. Daba un tono gris claro de base.

2. Una vez el dibujo estaba medianamente satisfactorio (estrictamente, debería haberlo pulido un poco más... ah, la impaciencia!), establecí un tono aguado más oscuro para el fondo, de modo que me resultara más fácil juzgar las luces.

3. Comencé a trabajar sobre la zona que consideraba primero iluminada, es decir, la frente. La idea era tratar de usar pocas pinceladas, lo mas precisas que pudiera, para establecer una nota clara y distinta para cada plano, pensando en planos grandes. Por supuesto es imposible (para mi al menos) acertar todas y cada una de las notas en tamaño, ubicación, valor, tinte, saturación, direccion de la pincelada, forma (bidimensional), etc., de modo que muchas veces es necesario hacer varios intentos. Pero la clave es "hacer como si" cada pincelada fuera la definitiva. Te fuerza a pensar, a que cada pincelada no sea automática y cuente. Y cuando te equivocas, lo ves. Porque no estás ahi listo con otra pincelada rápida y preparada y automática (irreflexiva) para cubrir la anterior. Esa es una de las claves. Darle importancia a cada toque, aunque después falle.

4. Después, con el mismo criterio, fui avanzando por zonas, pero no "a pulir y terminar", sino pensando en grandes planos. Pinceladas relativamente amplias, diluidas pero no mucho, direccionales (dependiendo del caso, siguiendo el eje principal del plano, o "a través" de la forma),sintéticas. El 90% de la pintura está hecho con pinceles de mango largo, sintéticos, chatos y de tamaño relativamente grande para lo que estoy acostumbrado, de modo que me forzara a simplificar y no meterme demasiado a "renderizar el pixel".

5. En muchas zonas plantaba primero una base simplificada general, un poco diluida, y sobre ella, con mas materia, refinaba los planos y subplanos, o modelaba donde me parecía necesario.

6. Otra cosa a la que trataba de prestarle detenida atención era a los cambios de temperatura de color.

7. Por último, otra cosa a la que le prestaba especial atención era a los puntos de conexión entre las formas, así como a los puntos de separación. Buscaba como mantener, a toda cosa, la unidad de las grandes formas. Y cuando una subforma amenazaba con hacer colapsar la unidad, volvía a simplificar, de modo de recuperar la integridad del área (ya sea que ésta estuviera en luz, medio tono o sombra). A la vez, buscaba variedad EN la unidad. Esa variedad puede darse por temperatura o saturación, el valor es más facil que rompa, pero a veces, si es sutil, puede mantenerse integrado. Ese es el delicado y dificil equilibrio que, creo, hay que esforzarse por conseguir.