Post Natividades y Pre fin de año

La natividad de nuestro señor me tuvo con algo de fiebre, quizá por ex ateo devenido agnóstico, con lo cual la posibilidad de avanzar con la pintura fue menor de la que hubiera esperado. De todos modos, tuve oportunidad de arruinar y arreglar la cara en tres ocasiones, ya no distingo si está mejor o peor, y avanzar un poco con la blusa, el gorro y el fondo.

La verdad que pintaba bien este tipo Bouguereau eh.
Cómo lograba darle esa cualidad traslúcida a las pieles, la ilusión de los vasos sanguíneos irrigando por debajo de la piel... que maldito, cómo lo odio!

Un poco más. De impaciente nomás!

Bouguerona, 8va sesión

Un poco más. Algo así como seis horas más. Las manos tomaron dos sesiones cada una, la cara tres. Es un avance lento, y salvo algunos asuntos con la laca carminada (excesos, ah, los excesos) creo que va bien. Ustedes dirán.





Copia de "Faneuse", de William Bouguereau
Óleo sobre tela, 50x70 cm

On the easel

(literalmente on the easel eh;
esto es, cuadro ahí colgado mirándome desde el atril)

Empecemos por las dificultades:

1. La cara tiene un alto de cuatro centímetros (sin contar el pelo).
Estoy enloqueciendo con intentar modelarla, colocar bien las notas de valor/saturación, que no quede "dibujada", que no quede sosa/pulida y con especial énfasis en no perder la estructura. Auch.

2. Es la primera vez, lo noto ahora, que hago una pintura sin "sombras fuertes". Es decir, la sombra siempre te da un lugar del cual agarrarte y modelar. Te ayuda a estructurar, en una palabra. En este caso sin embargo, la figura recibe plena luz del día, lo que mata todas las sombras. El volumen se da por sutiles cambios de valor y saturación en un rango muy pequeño. Terrible!!





El grafo del deseo, seguramente...
Óleo sobre tela, 90x70 cm, algo así

Modelo vivo y un cast

Estudios vió.
Porque hay que seguir estudiando, así es la cosa.
Dibujos con modelo vivo por un lado, de poses cortas (diez/quince minutos, media hora la más extensa; adivinen cuales prefiero...), tratando de capturar sin medir las proporciones, entender las formas, qué está adelante, qué está atrás. Qué lindo eh.

El cast, por otro lado. No se cuantas horas tiene encima y no está terminado.
Nada de esfumar eh. Todo con la agudísima punta del lápiz. La idea es tener un entendimiento aCsoluto del modelado. Nada de copiar valores (mas oscuro, mas claro). Es buscar una compresión espacial: entender que enfrenta más la luz, y qué se repliega con respecto a la misma.

De estudios, finales, concentraciones y otros teres

Hace tiempo tenía ganas de pintar "del natural". Y por qué no, con un estilo un poco más suelto.
Del natural sólo pinté objetos, nunca personas (hace poco intenté un retrato mirándome en el espejo, pero no cuenta). Sentía que esa experiencia hasta el momento ausente estaba requiriendo que me presentase en recepción. Si, sentía (siento) necesidad de experimentarlo.

Así que el domingo pasado hice lo siguiente:
Empecé con un dibujo sobre papel, del natural. Aproximadamente una hora.
La pintura en cambio, debido a disponibilidades moderiles, la abordé mirando el dibujo de tanto en tanto, pero prácticamente de memoria. Fue un ejercicio interesante. Ver cuanto había absorbido, cuanto había fijado, de la experiencia inmediata anterior.

Está recién empezada (no creo que tenga mas de dos horas encima), pero ya puede verse que casi no hay una pintura que empiece igual que otra. Todavia hay que ajustar algunas cosas del dibujo EN la pintura (la cabeza un poco chica, las piernas, la distancia a la cola, etc)

Faneuse 4 - mas una yapa

He aquí un poco más de avance.
La mano derecha (a nuestra izquierda) está concluída.
Creo que no voy a postear más esto hasta que esté terminado, porque parece una tortura china lo lento que avanza.

En fin, en cualquier caso, he aquí La Bouguerona.
Adicionalmente, no creo volver a hacer un clásico sin al menos intentar la técnica en cuestión que éste empleaba, que en el caso de Bouguereau, sería más o menos este proceso:

1. Dibujo completo / 2. Transferirlo / 3. Ebauche a color sobre un fondo claro (esto es, pintarlo por entero muy diluido, relativamente rápido, y ya insinuar el modelado) / 4. Pintar parte por parte, modelado completo, con más materia; empezando por la cara y las manos / 5. veladuras y acentos finales)




ADICIONALMENTE y para afilar los lápices, empecé con algo de dibujo en vivo.
Posiblemente se transforme en una pintura nueva.
Boceto rápido del natural.
(una hora, aprox)

Faneuse 3

Y comenzamos con la mano. En algunas partes de la cara hay algunas irregularidades, un poco por temas de secado, y otro porque se me ensució hacia el cuello, pero va relativamente bien.

Los dedos mayor e índice está prácticamente terminados (hay algo extraño en la forma en que se inserta la uña... creo que es porque parece estar en otro plano). El resto, apenas insinuado, pero hay que corregir algunos temitas de dibujo.

Lento, pero avanzando.

Faneuse, wip 2

Y van detalles de la segunda y tercer sesión.
Cuando miro hacia las partes que faltan... se que hasta el momento estuve con lo fácil...



Óleo sobre tela, 70x50 cm.

ps: con ganas de empezar algo propio
ps 2: ah, en EL TALLER, el barcito de Serrano, está siendo expuesta "El movimiento de lo inmóvil" (alias "La colorada en llamas").
ps 3: esto es oleo puro, sin medio, sin diluir. Pastoso.
ps 4: Bouguereau no pintaba asi, parte por parte y en una mano.

Tu turno, William

Llegó la hora de un nuevo proyecto.
William (Bouguereau, no Shakespeare) representa algo así como la culminación, el pináculo del academicismo francés del siglo XIX. Un dibujante sublime, un pintor tonalista de pieles increíbles y volúmenes creados con poquísimas variantes de valor. Temáticamente, lo concedo, un embole.

Y sí, habíamos pasado por el geométrico Da Messina, seguimos avanzando en el tiempo hasta el esfumato de Leonardo, recorrimos el claroscuro amarillo-naranjoso de Caravaggio, y ahora es el turno de los pálidos grises alizarinos de Bouguereau.

Saldré vivo de esta?
Sólo garantizo algo: esto va a durar muchos meses.

Etapa 1: Bocetos de reconocimiento
Etapa 2: Carbonilla sobre tela
Etapa 3: Let's paint William!




Nota 1: el dibujo tiene algunos problemillas. Cruzo los dedos, y espero ir resolviéndolos a medida que pinto.
Nota 2: La paleta no está del todo enfocada aún. Willy era más gris rosaceo de lo que he logrado hasta ahora.

Shakespereanos, versión final

Bueno, hela aquí. Tantas vueltas y ya no se sabe qué tiene de mejor ésta que las previas. El final es simplemente una elección, en este caso motivada por el hastío. No es la mejor foto, de hecho es bastante mala, pero muestra aprox. como quedó.

Óleo sobre tela, 70x50 cm, color sobre grisalla.

Shakespereanos, WIP 4

Último WIP previo a la versión final. Avanzamos un poco con el rostro de la derecha. Aun esta muy pálido, y falta modelar mejor la frente y la mejilla derecha. Despues, la ropa de ambos, y estamos. Cocinado. Creo que es la última vez que intento partir de una grisalla.





ps: es muy dificil obtener el color "real" en la foto. En la foto general, se ve todo más virado al azul de lo que es, y en el detalle, se ve un poco más rojizo de lo que es. En persona (si bien varía mucho con qué tipo de luz lo alumbremos -día, día nublado, luz amarilla, luz blanca- no es ni tan azulado ni tan rojizo.

Shakespereanos, WIP 3

Horas y horas y apenas se nota la diferencia. La idea es tratar de captar bien las coloraciones de la piel en las distintas zonas. Mas azuladas donde hay hueso, mas rojiza en la nariz y en la mejilla, mas grises o desaturadas a medida que los planos retroceden. Eso, asi tan simple dicho, me está volviendo loco.

Judith

Oficialmente terminada!


Oleo sobre tabla entelada, 35x50 cm

Delgadas y sutiles capas de color

Llegamos a la instancia temida. La grisalla está ahí, en todo su poderío gris, dominando al color que por el momento trata, débilmente, de emerger.

En otras palabras: comencé a aplicar la capa de color.
Por el momento, lo voy colocando en capas finas, entre semitransparentes y transparentes, para que el modelado gris que se encuentra debajo sirva, justamente, para retener el efecto de volúmen.

Ahora bien, como la capa de color es semitransparente, el gris hace que su saturación baje, y su valor también. Por lo que estoy, a la vez que agregando color, agregando blanco a la mezcla, para ir levantando el valor de a poco. Un proceso lento, pero por ahora satisfactorio!


Óleo sobre tela, 50x70 cm


Detalle.

Preguntas: no tengo idea de qué color aplicar al fondo.

De exploraciones y técnicas ancestrales

Y si. Quería probarlo hace tiempo. Así que me estoy dando el gusto.
Lo que voy a presentar aquí, un work in progress offcorss, incluye dos técnicas caídas en desuso. Pero si fue buena para la gente que la ustilizó, por qué no probarla?

La idea es la siguiente.

Etapa 1. Bistre: esto es, tierra sombra natural diluido para cubrir todo, removemos con trementina las zonas donde queremos que haya luz, y oscurecemos agregando pintura si es necesario. Esto para resolver el dibujo, composicion e iluminación general.

Etapa 2: Grisalla. La grisalla tiene mucha historia. La idea es resolver el modelado de las formas, en todo el rango tonal (o escala de valores), para luego, habiendo aislado la variable "valor" (esperemos con éxito) pasar a aplicar el color.

Como hoy en día estamos en una época donde la prisa manda, en general se hace todo de una.
Pero se aprende más así. Puedo asegurarlo!





Y hasta acá llegué. Me falta obviamente la cara de la derecha, y solo después comienza la aplicación de color. MM... qué miedo!

Taller de dibujo y pintura

¡Y se abrió nomás el blog del taller!
La idea es contar un poco más en detalle de qué se trata, de qué va la cosa, y mostrar el trabajo en progreso de todos los alumnos.

Aún está tomando forma, pero ya pueden verlo aquí!
Taller de dibujo y pintura

Judith, wip 2

Carbonilla

Un rápido boceto del mio fratello. (uno de ellos)
Y explorando con cariño la carbonilla, tanto tiempo relegada.
No se cuáles serán sus méritos (del dibujo), pero se disfrutó haciéndolo.

Judith, after Caravaggio

Nueva aproximación a este método, cuyo nombre técnico se me escapa (window shading, le dicen en inglés) que consiste en pintar parte por parte, tratando de lograr un acabado importante en cada sesión. En este caso, una copia de la Judith de Caravaggio.

En fin, adjunto el proceso en cuestión.





Óleo sobre tabla entelada, 40x50 cm (aprox)
Van 15-20 hs de trabajo, estimo que faltan otras 15 hs para completarla.

En los pliegues

Hela aquí. La versión final.





Oleo sobre tela, 120x70 cm
Pongo dos fotos, pq la coloración real está en el medio de estas dos.

Work in progress - en los pliegues

Seguimos trabajando con esta pintura de considerable tamaño. Y me va gustando eh. Tengo algunas complicaciones fruto de haber empezado con mucha "materia", texturas que no debieran estar ahí, pero nada insalvable.

Estoy muy satisfecho con el modelado del perfil de la mujer, está volumétrico, se siente la estructura. Y la capucha, ahí va. Los pliegues de la ropa me están dando bastante trabajo, pero que sería del placer sin lucha? Resta ajustar la mano, la pared del fondo, decidir si va a haber sombra proyectada o no (no debería, por el tipo de luz que tiene el rostro... eso me pasa por mezlcar), y ya estamos.

Óleo sobre tela, 120x70 cm.
Sin nombre aún.





ps: los colores están completamente off en estas fotos. El resto, ok.

Estudio

Sin mucho convencimiento, posteo este estudio de viejo y niño,
óleo sobre tela, 60x40 cm.

Work in progress

Aquí, algunas imágenes de la última pintura en la que estoy trabajando. Como podrán ver, esta modalidad de pintura empieza por cubrir toda la tela, y va trabajando de las grandes masas a los detalles (en oposición a otro método -también válido y que también trabajo- de pintar parte por parte, no pasando al área siguiente hasta que la sección en que estoy no tenga un acabado importante).

Óleo sobre tela, 1m20x70.
Sin nombre aún.








ps: no se si se aprecia, pero entre el boceto inicial y como está quedando, hubo cambios de opinión importantes en cuanto al diseño...

¡Vendido!

En los últimos años, vendí bastantes ilustraciones. Trabajos para tapas de libros, revistas, interiores, etc. Pero cuadros, lo que se dice cuadros, más allá de algunas ofertas inconclusas y arreglos que no terminaron de cerrar, no había vendido ninguno. Hasta ayer. Que conste entonces: el viernes 17/07/20209, vendí mi primer tela. Albricias. :)


Cuestion de Foco. Óleo sobre tela. 90x70 cm.

El aire entre la mirada y los objetos

Mi vida entera, le dijo Rembrandt al médico, la dediqué a reproducir, no los cuerpos de las personas que me pagaban para que yo las ubique dentro de mis cuadros, no cada nariz y mejilla pelo y vestido que se me puso por delante, sino el aire que existe entre la mirada y los objetos; quise pintar la luz como materia, porque así la vi en el depóstio de mi padre. Quise lograr eso, y no sé si pude. Pero dicen que hay otro que sí llegó más lejos que yo: está en españa y se llama Velazquez.

Rembrandt, según Daniel Guebel, en Derrumbre.

El movimiento de lo inmóvil

Esta pintura la había dado por concluída allá por marzo de este año. Sin embargo, no me convencía. Me daba rabia tanto trabajo en el rostro para que, en conjunto, no me gustara. Así que el último mes decidí volver sobre ella. Le hice algunos ajustes en el rostro y destruí el espacio anterior. ¿El resultado? Si bien aún no me convence del todo, me gusta bastante más que antes. Cosa que no es poco.

Óleo sobre tela. 90x60 cm



Detalle:

Concepto: foco divergente

Se dice que a las pinturas, a las "obras", se las debe dejar hablar o explicarse por sí mismas. Y para ser sincero, hay buenas razones para dejarse seducir por esta idea. La realidad es, sin embargo, que nos la pasamos explicando nuestras intenciones, nuestros deseos, y si bien los "resultados objetivos" pueden decir más, decir menos o simplemente algo distinto a lo que pretendíamos, ese resultado no deja de cargar con esta tensión, ES de hecho la efectuación de esta discordancia. Y la pintura, a pesar del ruido que pueda introducir el tratar de explicarla, si tiene algo que decirle a alguien, lo dirá. Y si no, se encerrará en obstinado mutismo. Es por eso que esta introducción, que no pretende más que una camuflada disculpa por hacer exactamente aquello que en el fondo sospecha incorrecto, se corre milimétricamente de ese lugar, alegando que lo que explicará será únicamente una argucia técnica, un entusiasmo conceptual. ¿Qué idea, qué concepto está detrás de esta pintura? Básicamente, que lo más lejano estuviera definido, enfocado, y lo más cercano, borroso, fuera de foco. Al final era muy simple che.

Óleo sobre tela, 90x70 cm, unas veinte horas.

No se dibujar

"No se dibujar, ¿para qué intentar aprender dibujo?"
Ésta, sépanlo, es una gran mentira. Es algo más o menos equivalente a decir: "No estoy en estado físico, ¿para qué voy a ir al gimnasio?"

Todo el mundo, y lo digo con mayúsculas y colores rutilantes, TODO EL MUNDO PUEDE APRENDER A DIBUJAR. Lo compruebo una y otra vez, con todos y cada uno de mis alumnos, quienes en su mayoría tienen entre 25 y 50 años y jamás habían dibujado antes (salvo en aquellos gloriosos días de infancia, cuando no teníamos miedo a equivocarnos, a ser juzgados, y mostrábamos cualquier producto que saliera de nuestras manos con orgullo de eximio artesano).

¿En qué consiste aprender a dibujar?
Si bien la respuesta puede variar de persona a persona, por sus búsquedas individuales, inquietudes e intereses, en un plano general, aprender a dibujar consiste básicamente en dos cosas:

Por un lado, y esto representa un 15% cuanto mucho, una mínima gimnasia de la mano y de familiarizarse con los materiales. Pero en segundo lugar, y mucho más importante, aprender a dibujar es aprender a ver. O mejor dicho, re-aprender a ver. Devolver a la mirada ese momento pre-simbólico, cuando el lenguaje no le había puesto equivalente a las cosas que nos rodeaban (simbolito de arbol, simbolito de persona, simbolito de casa…). En otras palabras, aprender a ver allí donde ahora predominan los NOMBRES de las cosas, espacios, formas, recorridos, ángulos, luces y sombras.

Hay un tercer ítem, pero que hace referencia a las búsquedas personales.
Y es, por supuesto, el nivel de la expresión. Eso, mis amigos, es interno. Puede abonarse, pueden prepararse las condiciones, pero como las plantas, no las hacemos crecer, sino que crecen ellas.

Y lo mejor para lograrlo es, justamente, preparar el terreno para que, un día, por propia fuerza, surja nuestra voz.

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Hoy puedo decir con orgullo y alegría que he visto progresar increíblemente a todos y cada uno de mis alumnos, casi todas ellos sin ninguna experiencia previa, de edades y backgrounds muy disímiles. Y descubrir, o redescubrir, junto con ellos, el placer de darse un tiempo apartado de todo, para simplemente escuchar el ruido del lapiz contra el papel, viendo cómo en donde nada había, aparece lo que imaginamos.

Para más info, ver qué cosas vemos en clase y conocer trabajos de alumnos, acceder al Taller de Dibujo y Pintura

Contacto: arielgulluni@yahoo.com.ar

Caravaggio

Copia de Caravaggio, óleo sobre tela, 60x40cm

Óleo sobre tabla II

Nuevo trabajo de características similares al anterior. Creo que con mejor éxito que la primera. Pero claro, también el original es Davinci!

A nivel comparativo, puede ser interesante señalar que mientras en Piero della Francesca el dibujo, la línea y la geometrización de las formas están muy presentes organizando el trabajo, en Davinci la línea se hace difusa, se pierde, se hace dificil separar el mundo de la luz y de la sombra. Los límites entre ambos se hacen difusos, sutiles, lo que a la hora de pintar resulta un desafío mucho mas interesante, dado que no hay tanto "de donde agarrarse".

Óleo sobre tabla I

Este trabajo fue realizado entre septiembre y diciembre del 2008, con el exclusivo fin de entrenamiento en una técnica ortodoxa y casi en desuso. Está realizado por entero a pincel redondo fino (2 y 3 para el rostro, 6 para el fondo), con un minucioso trabajo de modelado que deshace casi todo rastro de pincelada, y utilizando permanentemente un tutor para descansar la mano y ejercer la mínima presión sobre la superficie. El soporte es tabla entelada, de 35x50 cm. Sólo dos colores: blanco titanio y tierra sombra natural. El motivo original es de Antonello da Messina.

Nuevas portadas

Las siguientes tres portadas fueron realizadas entre diciembre y febrero para Ed. Via Magna, a través del estudio de diseño "Quimeras". De izquierda a derecha: "Timothy y las puertas del Dragón", "El Poder del Mago" (Carolina Lozano, Ed. Pegasus) y "Lazos de Sangre" (Pamela Freeman, Ed. Pegasus).

Chiaroscuro

Mi evidente - y envidiable- talento fotográfico nos deleita una vez más con unas pésimas fotos de mi último óleo sobre tela (60x80 cm). Como no puedo decidir cual es peor, dejo las tres. Una síntesis de las tres lograría recordar -remotamente- el original.

Última pintura de 2008

Con cierto retraso producto de imposibilidades fotografigénicas, aquí un óleo de cierre del 2008, un ejercicio más, un retrato más, explorando una pincelada distinta.

De balances

No hay caso, fin de año sugiere mirar atrás y ver qué se hizo, qué pasó.
Y miro atrás y sonrío. Hermoso año, éste que pasó.

• Seis portadas de libros (grande Quimeras!)
• Seis grandes freelances
• Empezar a estudiar pintura en serio (ocho telas en cinco meses!)
• Exposición en Objeto-a
• Reconciliarme con la enseñanza: 6 Alumnos en casa, 6 alumnos en Objeto-a
• Un total de 16 pinturas en tela
  
• Y aunque esto excede listas y enumeraciones, como no decirlo: Conocerla!
  

Pavada de año!!

Back To Basics

Tres estudios, todos óleo sobre tela.
Septiembre, octubre y noviembre de 2008.

Algunas portadas

He aquí dos trabajos para portadas de libros; el tercero, un boceto de yapa.
Todos, bocetos a lapiz, despues wacom.

De jovenes artistas posmodernos*

"No iba a imitar a la naturaleza**, así que, en vez de pintar un jazmín, puse un jazmín en un baúl y lo presenté en la galería. Quedaron encantados"

"Me re-interpela tu trabajo"

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* Lo arriba citado fue escuchado al pasar.
** Horror! la representación! Dios nos proteja de tamaña calamidad.
Algún día habrá que explayarse para derribar el mito de la imitación, si me perdonan la espantosa cacofonía; demostrar que la pintura realista, o al menos, cierto tipo de pintura realista, no trata en absoluto con la imitación. Ilusión, quizá si, lo concedo. Tengo la sospecha que este tipo de argumentos lo único que demuestran es que, por más que tratase, la persona en cuestión no hubiese podido pintar un jazmin convincente en su vida. Un jazmin que hasta parezca latir, vivir, olerse. Pero, como dicen:"la naturaleza ya lo ha hecho, y lo ha hecho mejor; para que repetirlo?"

De citas

That you can learn the rules of painting and then, cameralike, reproduce whatever you see on your canvas is a misconception that is partly responsible for the notion that only those painters who distort reality are using their creativity.
Gregg Kreutz

The biggest difference between twentieth-century painting and the painting that preceded it is depth: modern painting isn't concerned with it. Modern painting is about flatness; it explores possibilities of a flat canvas. Klee, Picasso, Mondrian, Pollock, Motherwell, all of them, to a greater or lesser extent, champion the two-dimensional surface.The “integrity of the picture plane” is what they are exploring.
Even the new realism that's emerged over the last fifteen years doesn't violate that flat sensibility.The new realist paintings, for the most part, are derived from, and look like, photographs. The viewer's reaction isn't "Doesn't that look real!" but, "Doesn’t that look like a photograph!".Flatness is preserved. Why a whole culture should have renounced such a rich tradition as chiaroscuro painting is a big puzzlement.
Gregg Kreutz

If I were an artist, I wouldn’t paint.
Odd Nerdrum

Óleo finalizado

He aquí la versión final. Sólo le falta barnizarlo. Posiblemente no se perciban muchas diferencias respecto a la versión anterior, pero, aunque sutiles, estas diferencias existen, creanmé. Le di más calidez a las sombras, apliqué veladuras, suavicé un poco el rostro femenino, mejoré los cabeios, etc.

(pintura censurada)
Sin título. Óleo sobre tela. 60x70 cm

De yapa, detalle de otra pintura:

"Rompeme la línea"

En los últimos años, una frase -cosa curiosa, siempre en boca de mujeres- me estuvo siendo espetada en lo que respecta a mi "recorrido artístico".

La frase en cuestión rezaba: "tenés que romper la línea". Doy fe de por lo menos tres personas que, acaso preocupadas por mi estancamiento, me sugerían (bienintencionadas ellas) formas de progresar.

Yo prestaba ávidos oídos a esas voces. Eran voces que habían estudiado artes y por lo tanto "sabían de lo que hablaban". Me consternaba mi limitación. Quería progresar y pensaba cómo superar mi prisión figurativa, mi carcel de la línea.

Hace poco descubrí que esta frase tiene muchos muchos años. Se viene diciendo como loro en las escuelitas de arte, ganadas por la ideología del arte moderno, que por sobre todas las cosas hace hincapié en lo obsoleto del arte figurativo. Por detras hay por lo menos un par de supuestos: primero, que hay un tipo de evolución en la historia del arte, y segundo que se corresponde con las distintas edades o etapas de una persona.

Así, el arte de Rembrandt, Velazquez, Da Vinci, Caravaggio, Waterhouse, Bouguereau y tantos otros, (desde ésta óptica, quizá la adolescencia) está completamente perimido desde los impresionistas, y sobre todo, después de eso que se dió en llamar "expresionismo abstracto", acaso la adultez artística. Y esta progresión histórica, que tiene correlato estricto en la vida artística idividual, está ejemplificada en la vida de Pablo Picasso, quien de adolescente era figurativo/realista, y después se dió cuenta de la papa y empezó a pintar otras cosas.

Bueno, saben que? Patrañas.

Muestra en puerta - Mantis

Parientes, amigos, conocidos y apenas eso, el jueves 9 de octubre a las 19hs será el ¿bar mitzva? No, el...¿ágape? No... tiene un nombre específico esto pero definitivamente hoy se me escapa... ¿la inauguración?... En fin, la apertura de la muestra que organiza Objeto-a dedicada al género fantástico, a la cual han tenido la deferencia de convocarme, no en tanto pintor sino como ilustrador, para que participe con algunas obras en tinta china.

Los invito, más que por las escasas obras que estaré mostrando, por el bien preciado champán que se distribuirá gratuitamente y por sobre todo, para que conozcan Objeto-a, espacio artístico donde hoy estoy enseñando dibujo y que está realmente muy bonito.

Jueves 9, 19 hs,
en Niceto Vega 5181 (Entre Thames y Uriarte)

Saludos a granel

Ariel.


Manos. 50x40 cm.
Tinta china, a la que olvidé escanear el sector medio. Terrible no? Donde tendré la cabeza...

PS: ( editado el 6 de octubre) VERNISAGGE!!
ps2: a mis amigos judíos, que ahora me doy cuenta que tengo un montón, espero que los perdonen lindo!!

Retratista

Me resulta difícil medir progresos. Sin embargo, creo que estoy navegando sobre aguas favorables. He aquí un nuevo óleo, para variar sin terminar. Los retratados, mi papá y Yolanda. Por suerte no ven el blog, con lo cual al terminarlo quizá pueda hacer un regalo sin arruinar la sorpresa, je.

En el medio se sucedieron tres estudios, tres ejercicios que me resultaron sorprendentemente útiles. En otro post comentaré sobre la -al menos para mi sorprendete- utilidad de las naturalezas muertas (cosa graciosa, en ingles se dice still-life, ya lo analizaré algún día), algo que hasta hace poco me negaba sistemática y fervorosamente a hacer.


Óleo sobre tela - 60x70cm

Once more unto the bridge, dear friends, once more!

En este último tiempo (poco mas de 2 meses?) algo extraño (pero genial) fue sucediendo:

1. La ley de los contrarios u opuestos excluyentes que enunciara allá por enero, que rigió mi vida por años, se hizo añicos. Si si. Ambas cosas por primera vez se dan juntas y se potencian entre si. Mi sorpresa y gratitud, a flor de piel.

2. Estoy dibujando y pintando y aprendiendo más que nunca. Llego del trabajo, y a dibujar. Un estudio, un boceto, una pintura. Adicionalmente, estoy leyendo mucho sobre el tema y descubriendo cosas que no sospechaba sobre cómo funcionamos cuando dibujamos, formas de aprender y mejorar, etc. Se ha producido un circulo virtuoso entre los siguientes elementos: comencé a estudiar pintura (yess!), mis propias clases de dibujo, y mi propia producción.

3. Estoy haciendo lo que quizá sea una regresion a mis raices: realismo socialista viejaaa!!

Por todo esto, aquí una muestra: un oleo sobre tela (en progreso, por supuesto) y un sketch a lapiz de Linki.

"El arte abstracto no es ni arte ni es abstracto"

Los pintores realistas son el proletariado artístico.
He dicho.

(desarrollo, aquí)

Lápiz

Otro dibujo a lápiz. Me gustaría ser más paciente y minucioso, prolijo, detallista, pero no puedo -todavía no me sale- estar más de tres horas con uno de estos. Lápices (h, b y 2b) sobre papel, 15x12, aprox.

Finales

Subo aquí las versiones finales de dos pinturas que había presentado como "en proceso".
¡Gracias Martín por las fotos! (Cómo se nota cuando no las saco yo)

Casi había olvidado

...lo que me gusta dibujar a lápiz.

El sonido y la furia (ruido para silenciar el ilusorio reposo)

Para no dejar desiertos los paisajes blogeriles con el vacío de la no renovación, subo aquí dos trabajos en proceso. Uno, en acrílico, es completamente nuevo y me está dando dolores de cabeza. Desde el color de la piel del sujeto hasta cómo trabajar el fondo. El muchacho en cuestión fue marronoso, verde, gris y ahora porta un color más o menos piel. Pueden verlo aquí (les ahorro los intermedios...)


WIP 1. Acrílico sobre tela. 80x100 cm.

El segundo trabajo es peculiar.
Retomo aquí (haciéndome inesperado eco de la pregunta "cuándo se termina una obra") una pintura al óleo que data de julio del 2006 (ver), y que estaba, en teoría terminada. Esa pintura nunca me gustó. Muy lineal, ramplona, clichesca. Y encima, mal dibujada. Así que me tomé el atrevimiento (oh, atrevido) de regresar (ya veremos si triunfal o no) a los óleos despues de dos años, trabajando ENCIMA de una pintura vieja. Y cambió bastante. Y para mejor, me parece. Quizá, en una de esas, quien les dice, algo aprendí en este tiempo. En cierta forma, creo, estoy en proceso de amigamiento con esa técnica del enchastre por excelencia, ese medio de los olores impregnados por la casa, de los brillos, los matices, los blendsss, de lo eternamente fresco y amenazador: la pintura al óleo.


"Silencio" (wip). Óleo sobre tela. 40x50 cm.

Estructura de Clases

Como arrecian las consultas, quisiera en esta breve nota compartir con uds. de qué se tratan las clases de dibujo.

Filosofía de trabajo
La filosofía con la cual trabajamos en clase tiene dos ejes axiomáticos
(esto es, cosas en las que firmemente creo y por lo tanto, no voy a discutirlas :) )

1. Cualquiera puede aprender a dibujar y alcanzar un nivel muy por encima de sus expectativas. Existen métodos de trabajo probados que ayudan a superar los temores y prejuicios iniciales, luego de los cuales uno puede volver a disfrutar del dibujo y comenzar a progresar.
   
   
2. El dibujo realista y figurativo es la plataforma más sólida para desarrollar las habilidades que permiten controlar los elementos de trabajo (lapiz, papel, etc) y sensibilizar la mirada. Aprendiendo y dominando esto, podemos hacer que nuestro estilo tenga que ver con nuestras elecciones más que con nuestras limitaciones.
   

¿En qué consisten las clases?
La idea es trabajar el dibujo representativo y figurativo, y si el asunto interesa, después pasar a la pintura representativa. ¿Por qué representativa, en ambos casos? Por dos razones fundamentales: En primer lugar, por que las técnicas transmisibles, la instrucción, el saber hacer, están de ese lado. En segundo lugar, por que es más fácil saber donde estamos parados, qué tenemos que corregir, qué tenemos que enfrentar, etc. El realismo te da la plataforma base para que uno controle los materiales, y que el estilo sea producto de la elección, no de la limitación.

Las clases varian de persona a persona, por que no todos tienen los mismos intereses (y sobre todo, no todo FUNCIONA igual para todas las personas), pero el "plan básico" es el siguiente:

1. Ejercicios para soltar la mano
   (gimnasia, sin ir más lejos; y reconocimento del material)
2. Ejercicios de percepción
   (orientados a combatir algunos prejuicios de la cabeza que tienen que ver con nuestra educación, con el predomino simbólico por sobre la percepción espacial, etc.)
3. Ejercicios para trabajar el dibujo de línea
   (emplazamiento, masa, ejes, direcciones, proporciones, etc.)
4. Ejercicios de construcción a partir de la imaginación
   
5. Ejercicios de valor: Luces y sombras, modelado.
6. Escorzo y perspectiva
7. Pintura
   Pintura es todo un nuevo mundo. Se trabajan los elementos del dibujo que aplican a la pintura (emplazamiento, masa, ejes, direcciones, proporciones, estructura de valor), a los que se le agrega la complejidad propia del nuevo material y posteriormente el color.
   

Para más información, contactar aquí:
arielgulluni@yahoo.com.ar

Portfolio I: Pinturas

Una vista rápida, una selección de mis trabajos con Óleos y Acrílicos, mayormente sobre tela, pero algunos sobre papel.

Trabajos Alumnos

Dejo en esta página una sección en donde iré actualizando trabajos de alumnos. Por el momento, una serie que muestra la evolución de algunos de ellos: Andres Litvac, Vero, Lionel, Xana, Ayelen y Agustín .

Andrés:






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Vero:


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Lionel:


Xana (tercer dibujo)


Agustín


Ayelen


Si lo desean, puede ver más aquí

Clases de dibujo

"No se dibujar, ¿para qué intentar aprender dibujo?"
Ésta, sépanlo, es una gran mentira. Es algo más o menos equivalente a decir: "No estoy en estado físico, ¿para qué voy a ir al gimnasio?"

Todo el mundo, y lo digo con mayúsculas y colores rutilantes, TODO EL MUNDO PUEDE APRENDER A DIBUJAR. Lo compruebo una y otra vez, con todos y cada uno de mis alumnos, quienes en su mayoría tienen entre 25 y 50 años y jamás habían dibujado antes (salvo en aquellos gloriosos días de infancia, cuando no teníamos miedo a equivocarnos, a ser juzgados, y mostrábamos cualquier producto que saliera de nuestras manos con orgullo de eximio artesano).

¿En qué consiste aprender a dibujar?
Si bien la respuesta puede variar de persona a persona, por sus búsquedas individuales, inquietudes e intereses, en un plano general, aprender a dibujar consiste básicamente en dos cosas:

Por un lado, y esto representa un 15% cuanto mucho, una mínima gimnasia de la mano y de familiarizarse con los materiales. Pero en segundo lugar, y mucho más importante, aprender a dibujar es aprender a ver. O mejor dicho, re-aprender a ver. Devolver a la mirada ese momento pre-simbólico, cuando el lenguaje no le había puesto equivalente a las cosas que nos rodeaban (simbolito de arbol, simbolito de persona, simbolito de casa…). En otras palabras, aprender a ver allí donde ahora predominan los NOMBRES de las cosas, espacios, formas, recorridos, ángulos, luces y sombras.

Hay un tercer ítem, pero que hace referencia a las búsquedas personales. Y es, por supuesto, el nivel de la expresión. Eso, mis amigos, es interno. Puede abonarse, pueden prepararse las condiciones, pero como las plantas, no las hacemos crecer, sino que crecen ellas.

Y lo mejor para lograrlo es, justamente, preparar el terreno para que, un día, por propia fuerza, surja nuestra voz.

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Hoy puedo decir con orgullo y alegría que he visto progresar increíblemente a todos y cada uno de mis alumnos, casi todas ellos sin ninguna experiencia previa, de edades y backgrounds muy disímiles. Y descubrir, o redescubrir, junto con ellos, el placer de darse un tiempo apartado de todo, para simplemente escuchar el ruido del lapiz contra el papel, viendo cómo en donde nada había, aparece lo que imaginamos.

Para más info, ver qué cosas vemos en clase y conocer trabajos de alumnos, acceder al Taller de Dibujo y Pintura

Contacto: arielgulluni@yahoo.com.ar

Fragmento 152

"Me quedo pasmado cuando termino algo. Me quedo pasmado y desolado. Mi instinto de perfección debería impedirme acabar; debería impedirme incluso empezar. Pero me distraigo y obro. Lo que obtengo es un producto que no resulta de una aplicación de mi voluntad, sino de una concesión que ella hace de sí misma. Empiezo porque no tengo fuerza para pensar; termino porque no tengo alma para interrumpir. Este libro es mi cobardía."

Fernando Pessoa
Libro del desasosiego

Al filo o al borde de algo

Hela aquí, concluida. Sefiní. Ok, está bien, quizá la siga tocando...
Pero digamos que me cansé. Ah, por cierto, frente a la pregunta: "cuando se termina una obra", la mejor respuesta es esa. Cuando el autor se cansa.


Acrilico sobre tela. 120 x 80 cm

Bueno, ok, pero, y una pintura cuando?

Se me fueron juntando textos. Textos que en su dimensión sentía que usurpaban lugar al blog original, éste, el de pinturas e ilustraciones. Así que, exigencias de la acumulación y deseos de ventilación, reconozcámoslo, hacen que cree este segundo lugar para ese lenta pero sistemática proliferación de palabras.

La libreta

Revolviendo entre viejos papeles, encontré una libreta que no tocaba hace como doce años. Amarilla, doblada, quebrada. Tiene anotaciones, ideas, citas... esas cosas que a cierta edad parece tener sentido atesorar. Viéndolo hoy me digo: pero qué previsor. Me da gracia, ternura, extrañeza, todo eso junto y revuelto, encontrarme así, de esta manera, conmigo mismo. Sorprendido aún por las formas en que el pasado se te instala en un minuto en el presente, extraigo acá dos cosas que me llamaron la atención:

"En qué momento uno deja de ser, para transformarse en todo lo que hizo antes?" (supuestamente, escrito dormido)

“Registro 1: YA ganas de irme. La obs no dura. ¿Qué es lo que hacen realmente? Música fuerte. Cigarro. Oídos. Tiempo suspendido. Mientras. Olvido. Eternidad vacío. Ojos, sonríe, y hablahabla. ¿Qué los une? ¿Qué sustancia es esa que se tiende entre las personas? (o las personas se tienden sobre la sustancia?)

¿Importa DE QUE se habla? O solo es ESO que hay, existe o no, quizá solo grados de ESO. Si hay ESO, hay algo, hay charla. Interesa. ¿Interesa? O solo es el otro que, en realidad, es yo. Siempre es yo.

Dar la espalda. Esconder. Aislar. Ocultar. Rechazar. Expulsar. Mundo. Otros. Mujeres. Distancia. Brecha. Abismo. ¿Colores? Negro, por supuesto.

¿Cómo se salta? Queriendo. No quiero. No me interesa.
Es quizá el sol.

Klimteana

Emerge el color

Apenas un esbozo, unas manchas desperdigadas en la tela que insinuan formas, temperaturas, atmosferas. Una situación. Algo a desarrollar.



Acrílico sobre tela. 120 x 80cm.

Mis premisas para inagurar los treinta:
a. Salir de la composición de un solo personaje
b. Pintar una situación. Componer.
c. El fondo no es mera envoltura de la figura, sino que ésta emerge de él.

La barrera y el miedo

Otro work in progress. No estoy seguro qué traté de plasmar acá. Esta pintura la comencé hacia fines de enero. Y la había abandonado. La retomé hace unas semanas. La idea sigue. Alguien defendiéndose. Miedo. Angustia. Una presencia fuera del cuadro. Y la pincelada que todo lo envuelve. Y la sensación de que todo vuelve. Recurrencia. Karma. Compensación. Me toca a mi, te toca a vos, me toca a mi, te toca a vos, me toca a mi. ¿Cuando se sale del ciclo?



Agrego algunas fotos parciales que permiten ver un poco mejor la pincelada...




Tamaño original: 90x60 cm
Acrílico sobre tela

Poesayos: a veces escribo, digamos (2)

Estos textos tienen unos días. No pensaba publicarlos, porque fueron mas bien arrebatos de una mañana en la que pretendía esquivar, haraganamente, el acoso laboral. Aviso entonces (en un intento desesperado de soberanía sobre mis palabras) que lo aquí escrito no son más que estados, estados sin destinatario ni destinador. Escritos que recorren únicamente sensaciones absolutizadas. Allí van... y sepan recordar, jeje, que lo mío es la pintura!

1. De la pavorosa promiscuidad de lo génerico
o la intercambiabilidad del anonimato

Veo ahí
huellas de nuestras palabras
el mundo como plastilina de nuestro verbo
golpeamos y decimos, mordemos y pensamos

(como si pensar no fuera hacer, un hacer privado, sin testigos, un hacer sin que nos acusen o responsabilicen, pero que deja huella, claro que la deja, huellas de esas que quizá sólo Poirot pueda encontrar, pero que están y señalan...)

Queremos testigos a veces
Queremos cuartucho solitario otras tantas,
Arriba o abajo, pero no ahí, no ENTRE sino lejos
por fuera del borde, fuera de la periferia que se hace centro cuando la miramos mucho

Y de repente el mundo nos dice que existimos
que quizá no importe cuánto,
porque no se trata de cuanto
sino de la afirmación simple o quizá del cómo
pero lo que importa entonces es que para alguien uno es mundo

Y de repente el mundo nos pesa
y eso que queríamos es ahora carga
y cuando nos abandona
la liviandad que queda
nos deja sin aire de tanto subir y subir

Entre el mundo y yo,
entre yo y el mundo,
mi cuerpo
Entre vos y yo
qué?

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2.
No me doy cuenta que existo
Hasta que te pego y me la devolvés

Me veo arrojado / repiqueteando
Escupo acá / Escupo allá
Quiero ver donde pega / donde engancha / donde vuelve
Porque en la reacción me encuentro
en la devolución -digo- existo

¿Atrapado en la réplica?
no quiero escribir identidad
pero esa es la palabra
No quiero psicologizar
pero es quizá lo que hago

Digo -entonces
si mi identidad aparece ahí
en ese volver del afuera
en ese vómito que regresa
Si existo en tanto rebotado
Si sólo existo en tanto deflectado
No soy sino un mero eco de mi voz?

ps: alguien me dijo, con tino, que para poesía le faltaba metáfora, y para ensayo le faltaba explicación. Inaugaramos así un género, el del poesayo.

Iluminaciones

A ver.... tomé un par de vasos de cerveza. Ok, quizá fueron tres o cuatro (sí, soy de los obsesivos que usan "par" sólo para decir "dos", salvo contadas excepciones...) Hacía unas semanas había sacado una foto. Honestamente, era muy mala. Sin luz, fuera de foco... de esas que apenas se ve algo. Algo, justamente, tenía, a pesar de todo. Algo que me servía como disparador de una intuición. Así que, dejándome llevar por dicha intuición, abandoné la foto y empecé a pintar. Y no se por qué, a medida que esta pintura iba tomando forma, a medida que del fondo, de la mancha emergía la figura, algo en mí iba cobrando intensidad. Simplemente: me sentí genial. Fuego. Elevación. Desapareció todo átomo de modestia o vergüenza residual. Y mientras avanzaba, corría adrenalina y sonreía.

Sí. Así como lo digo. Chocho.



Sólo para capturar la esencia eufórica del momento, transcribo conversación con mi representante y amiga, Ve Mathias.

A. tas ahi matias? tengo que mostrarte algo
V. dale
A. soy re groso. o sea. lo más.
V. je
A. cuando pinto algo que me gusta me agrando como sorete... en no se que... jajajajjajjaja... tomé cerveza además así que no se muy bien qué digo. pero me agrando, eso seguro. sorete con hidrogeno? como sapo de otro pozo?
V. Borracho. me gusta muuucho
A. viste?? o sea. todo bien con la modestia. pero pero soy un capo. jajajajJAJajaJaJAJ
V. cuando uno es brillante, es brillante
A. (mañana lo veo y lo odio, seguro)
V. jajajaj, cuando pase el efecto
A. claro. pero ahora me parece brillante. tengo que controlar el detalle. no lo tengo que pulir
V. no lo toques, está ferpecto
A. gracias :) pero no ta terminado. o vos decis... lo dejo asi?
V. vos sos el artista

Por supuesto... seguí un poco más.

Jules

A veces, cuando estoy pintando o dibujando, sea en el medio que sea, me detengo y me digo: "faaaa, pero que grosso que sooy" ...después se me pasa. No dura mucho, pero durante un ratito, un fugaz instante, un diminuto instante en el vivir, me la creo y me siento lo más.

He aquí un retrato, en un estilo distinto, de Julis.
¿Ya doce años? Cómo pasa el tiempo viejo...

Ilustrar para un amigo no es tan fácil como parece

¡Ahá! Por un momento creí que ya lo había resuelto, que ya estaba terminado. Pero no. La señorita no se conforma fácil. Y está bien que así sea. Otra vez, reunidos en mi casa, Nadia, Ezequiel y yo, dimos forma a una tapa completamente distinta. ¿El resultado? Mucho mejor. Mucho mejor. Juzguen ustedes mismos.

ps: el pensamiento, para occidente, es tradicionalmente el bloqueador del espíritu. Pero, dicen los que saben, también es quien puede desbloquearlo.

Entre las nubes que vuelven

De tanto llover colores / el arco iris quedó / petrificado en los cerros / en tus ojos / y en las flores...

Conocí esta canción del Chacho Echenique gracias a la hermosa voz de Nadia Szachniuk. El destino hizo que, por amistades comunes, la reencuentre en más de una ocasión. Encontré en ella no sólo una cantante talentosa y completa, sino también una persona con un dimensión y riqueza espiritual sorprendentes. Diría (y se que suena exagerado, pero eso es pq no la cononcen) no de este mundo. En agradecimiento a su música, alegría y generosidad, hoy surgió una improvisada tapa para un demo de tres temas. Sentados en ronda, ella y Ezequiel miraban mientras pintaba y sugerían, sumaban sus voces. Y estoy contento con el resultado.

Breve

El último post data del 8 de enero. En este tiempo hice unas cuantas ilustraciones, un par de tapas de libros, una serie de retratos. De todo esto, quizá uno amerite ser mostrado. El resto no.

Sin embargo, en lo que a telas se refiere, allí donde la expresión manda en su fuerza pura, allí donde deberíamos imitar escenas ilustres de un actor exaltado mimetizando a un pintor (dado que así deberiamos ser todos los pintores, se dice y queda bien, como un Francis Bacon poseído arrojado furiosamente sobre la tela), así, lo que se dice así, no hice mucho.

Creo que existe una ecuación (en realidad, un silogismo), una relación simple entre los momentos activos e inactivos en la pintura. Me encantaría compartir esta ecuación, pero al voyerismo exibicionista, esta vez, le gana un pudor pueril, una reticencia gris. Imagínenla, si gustan.

El eterno retorno de lo figurativo

Esteeem. Bueno. Resulta que estaba yo mirando el cuadro azul (cuadro que pueden ver en el post anterior), ese con franjas verticales de colores (amarillas , verdes y rojas) y... esteeemm... bueno, la verdad es que sentía como que le faltaba algo...


"Umbral". Acrílico sobre tela. 80x60 cm.

Ausente de intención y puro gesto.

No soy un gran fan del arte no figurativo. Ni para verlo, ni para hacerlo. Sin embargo, en el último tiempo (desde abril, más o menos) aprendí a valorarlo. A encontrarle fuerzas. Intensidades. Colores. Vibraciones. Eso al menos, en tanto espectador. Como artista, mis aproximaciones son aún laterales, sigilosas, lentas. Pero, tengo que admitirlo, si hay algo que sí encontré, es que esta forma de pintar permite apagar la cabeza. Viajar y perderse en una pincelada sin forma ni destino, ausente de intención y puro gesto. Un simple habitar, un camino hacia ningún lado y cuyo disfrute es, simplemente, el de palpar cariñosamente el ahí (aquí) y ahora.

Serena y Armada

El nombre, es nuevo. La pintura, vieja. Papel, 35x50, y un poco de todo. Base de acrílico, lápices de colores y algo de óleo.



ps: otra vez, los ojos cerrados... qué esta pasando??

Todo bajo control

Acrílico sobre tela. 50x40.
Hacía bastante no pintaba en tela. Resultó una experiencia catártica y muy gratificante. La pincelada cargada, los bordes sinuosos, las texturas y olores, el agua cada vez mas oscura, los resultados imprevistos. El enchastre, la materia, sigue superando cualquier expresión digital. La foto no es muy fiel pero alcanza por ahora. Veré si puedo conseguir otra.

Feliz navidad.

"It was late November, I think, and I was thinking about the whole Christmas thing: the birth of Christ, the Wizard of Oz, family murders, and quite frankly, I was depressed." Joe Harper en Midwinter's tale.



ps: noté que es la tercera (o cuarta) pintura en la que pongo una mujer con los ojos cerrados, cosa extraña con lo que me gusta hacer ojos. Relacionándolo con el post anterior de las miradas, resulta muy significativo no?

Miradas.

Me fascinan las miradas. Siempre lo han hecho. Desencadenan en mí profundas pero sutiles energías, poderosos mecanismos emocionales y una diversidad de estados que me gustaría detallar.

En ocasiones, quedé sostenido EN una mirada, cariñosamente atrapado, seguro pero a sólo milímetros del suelo. He viajado y recorrido mundos imposibles con una mirada. Más de una vez, dificil olvidarlo, me he disuelto con una mirada. También por encontrar una mirada, el mundo ha desaparecido, se ha vuelto borroso, difuso. Con ese hallazgo imperfecto se han detenido pulsaciones, expandido cuerpos, dilatado poros, incrementado temperaturas. Parece el más "intangible" de los sentidos, y sin embargo, es tan profundamente cuerpo en sus efectos...

Conocí miradas que sonrien. Miradas que reprueban y censuran. Miradas que acarician. Miradas de fuego. Miradas de hielo. Miradas que transportan, miradas viajeras, acróbatas, nómadas, granjeras, y claro que si, miradas de colores.

Hay, también, intensidades en la mirada. No son los ojos. No es su forma ni su color. Es una fuerza intangible que está detrás de las órbitas, o alrededor, que la mirada convoca y dirige. Fuerzas que no caben en un cuerpo.

Pensaba también que la mirada tiene gran parte de su fuerza, magia y hechizo, en que siempre se trata de un encuentro. La dualidad emisor-receptor no tiene nada que hacer acá. La mirada ES encuentro. Es cruce. Que sea abrazo o choque, garra o caricia, dependerá del tipo de encuentro que logremos.

Quizá sea por esto que no puedo pintar miradas. No puedo capturar sus potencias, sus efectos; lo que pueden, lo que hacen. Lo intento pero sólo consigo ojos, formas sin fuerzas. Pensaba ilustrar esto con un par de ojos que aún a veces me persiguen, cuando bajo la guardia, cuando el pasado parece hincharse y hacerse presente. Ojos grandes, profundos, brillantes, abisales, café.

Pero en este caso, odio la palabra ilustrar. Tiene un sospechoso hermanazgo con ejemplificar.

Ego

Un poco de ego no viene mal. Aquí, experimentando con unas fotos, que tomé cuando el sol se filtraba por la clarabolla del baño, recortando claros fuertes, sombras y bordes agudos. Pensaba usarlas como referencia, pero en cambio decidí pintarlas encima. Las pinté hasta que casi desaparecieron, pero bueno, la honestidad ante todo; esta vez las fotos quedaron debajo, no fueron una simple referencia. Hace poco me sugirieron: rompé los fondos.
Y en eso estoy. Creo.

B-Versions

Así como los músicos hacen... eso que hacen... heme aquí inaugurando una sección que podríamos llamar: amigos calificados dan feedback, ariel lo procesa, y ariel termina haciendo lo que le piace.

Esta vez, vemos los resultados de tres obras ya publicadas. Ajustadas, corregidas, enmendadas, re versionadas. Me hago covers a mi mismo soy re loco. En fin.

1. El tiempo coincide con mi impaciencia o Parque Chas.
WW, M y L coincidieron en la super abundancia de lenguajes, estilos, y elementos en esta composición. He aquí un resultado posible de la depuración.



2. La grieta
Continuar la dirección del rojo, acentuar su fuerza e invadir la cara de la nena. Una sugerencia de L que creo fue pertinente.



3. Dejarse querer
Simple pulimiento. No se si es mejor realmente o me quedo con la tosquedad inacabada del orginal.

El tiempo coincide con mi impaciencia

Una sucesión de imprevistos, cambios de opinión, cambios de dirección, cambios de paleta y demases, conluyó con (o en) esta inesperada obra. Nombre? No lo se aún. Qué representa, simboliza, zaraza? Se los dejo a los fieles interpretadores.



Además, me tomo el atrevimiento de subir una nueva versión del anterior. Llamados anónimos con sugerencias (a veces amenazantes) me hicieron probar algunas cosillas que, creo, lo mejoran sustancialmente. Gracias parciales a todos los involucrados.

Pasar el rato

Mientras trato de hacer algo que valga la pena, subo un par de cosas hechas para pasar el rato. ¿Me gustan? No demasiado. Pero bueno. Es lo que hay. De arriba a abajo: un retrato (gentileza fotografía de Athina Pavlova), tratando de ver cuanto aguanto el realismo... como ven, ...me agoto bastante rapido, los ojos y ya. Segundo, un boceto a lápiz (hora y media?) y tercero, un dibujo ya viejo sobre mujeres de Chechenia. Ah, cuanta conciencia política la mía.

La grieta en la puerta

No se como salió esto. Empezó con la nena. Como corresponde. El resto, son felices accidentes. Hay cosas, como siempre, que me gustaría ajustar... pero entre la espontaneidad y el ajuste infinito, me quedo con la primera!



ps: Hace unos... mierda... 12 años, una chica (Marina, para el caso, no importa, no la vi más) viendo unos dibujos me dijo: "No me dicen nada, son sólo retratos, la verdad no me dicen nada". AGGHH, como dolió eso!! Y encima tenía razón. Despues de eso (Y SI, POR SU CULPA, JAJAJAA) vino la época oscura, en un esfuerzo por "expresar"... hoy, sigo siendo retratista en el fondo, pero hago de cuenta que quiero decir cosas... jeje - :) (Gracias Marina)

Interín archivístico

Estoy trabajando sobre una serie de pinturas sobre la mirada... una especie de homenaje/recreación de miradas que he sentido, pero como por ahora sólo me salen ojos, y lo que escribo para acompañarlas me gusta mucho más que su plasmación pictórica, agrego en el interín y a modo de entremés una serie de bocetos y pinturas de archivo...


Lápiz sobre papel por un lado, tinta china por el otro (ah viejo plumín, que será de ti)


Si, tambien hago cosas comerciales... que se le va a hacer. Tapa para un libro de aventuras medievales... o algo asi. El fondo, se lo agregaron despues las hábiles diseñadoras.

Dejarse querer.

Jaulas. Miedos y soledades. Alejamientos y rincones oscuros. Tristezas profundas envueltas en sonrisas. Por una vez, una pintura que no habla de mí.
Día productivo el de hoy. Descubrí, por ejemplo, que no todos me van a querer. Y que eso no es necesariamente malo. También, como diría Spinoza, que todo lo bello es tan dificil como raro, y que es bueno pelear por ello. Por último, y no menos importante, el valor de no arrepentirse de nada. AMOR FATI, le llamaba Nietzsche. Desear que nada hubiera sido distinto de como es.

Brindo por lo bello y por lo que es, el mejor de los mundos posibles!



ps: la pintura está recién empezada. pero me gustó. y quiero compartirla así. Si me pinta terminarla, podrán verla mas avanzada. por ahora, unas simples manchas que dicen mucho.
ps 2: otro descubrimiento! tengo buena digestión, por lo que me resulta muy dificil guardar rencor. por eso mis enojos duran tan poco. Bueno, malo? No se. Pero prefiero el huracán alegre de su movimiento al huracán alegre de lo que destruye a su paso.

Viejas telas recuperadas

Estos son dos viejos oleos, que limpié y fotografié. La fotografía, como puede verse, no es mi fuerte. Pero al menos muestran dos de mis primeras pinturas, oleo sobre tela, mucho aceite y aguarras. La primer pintura sobre todo, es particularmente oscura. Había visto imágenes de la guerra en Chechenia que me impactaron mucho... y de ahí salió esta composición. Creo que la transformé en otra cosa. Ya no diría que habla de guerra...

Entonces, la pregunta que vale: ¿quién soy?

"¿Qué es lo más íntimo, lo más creativo, lo más real de un hombre? El que uno es, el que se cree ser y el que le cree otro. Y digo que, además del que uno es para Dios -si para Dios es uno alguien- y del que es para los otros y del que se cree ser, hay el que quisiera ser. Y que éste, el que uno quiere ser, es en él, en su seno, el creador, es el real de verdad. Y por el que hayamos querido ser, no por el que hayamos sido, nos salvaremos o perderemos."

Don Miguel de Unamuno.

Pasa y se va...

Singular el nombre que tenía esta secuencia.
Segunda pintura del hombre con bufanda, que pasa y se va. Quien se va, él o la plaza?
En fin, gracias, a quien corresponde, por la pasión de los bordes, por los colores y por la composición. Eso, se agradece y se queda. Falta pulirlo aun, está un poco sucio. No tengo apuro por concluirlo.

De encuentros y desencuentros, o encuentros asimétricos, se teje nuestra vida. Mientras tanto, disfrutemos del camino.

La pintura ideal

Un día me gustaría pintar aquellas cosas que detesto de mí, pintarlas de tal modo que queden ahí, para siempre, afuera, por fin, de mi. Quizá, ese día, reconciliado, pueda aprender a ver y escuchar realmente a los demás.

Quién pinta en cuestión

Habiendo dibujado desde que tengo memoria, recorrido senderos por el comic, el dibujo artístico, la ilustración y la pintura, nunca hasta hace aproximadamente dos años, sospeché que ese era el espacio, el mundo que quería habitar.

Al terminar la secundaria, y pensando que no quería transformar en obligatorio algo que me gustaba y disfrutaba, decidí huírle a las institucionalizaciones del arte. Así que estudié sociología, donde gané un lenguaje rebuscado que hoy me cuesta simplificar, refiné el gusto por teorizar y generalizar, e hice buenas migas con la filosofía.

Hoy, he descubierto y declarado que es éste mi mundo. Un mundo de luces, sombras, colores, aguarrás, grafito, papeles, viruta, pinceles, óleos y acrílicos. Y grandes monstruos del presente y del pasado acompañándonos.

Aquí, quisiera compartir algunos aspectos de éste mundo, que se ha convertido en mi presente y horizonte. La pintura, el dibujo, mis profesores, mis alumnos.

Ariel Gulluni

...

Grafismos

I've no voice. My voice is in my sword.

El muro.


Seco.

Pasa y se va

Con o sin cabeza, esa es la cuestión.

El mismo proceso de búsqueda que trajo al mundo virtual el rostro anterior, trajo este boceto a lápiz, un boceto para una pintura evidentemente, y que decidí retomar. No paro de auto-reciclarme. Evidentemente corresponde a uno de los períodos "oscuros", o como diría una amiga, a los vómitos. No me termino de decidir: que queda mejor, con cabeza o sin cabeza? Qué quise decir? Cambia demasiado la intención en un caso u otro...

Rostro

Encontré casi accidentalmente este óleo sobre papel ordenando unos viejos dibujos. No es tan viejo, tendrá tres años aproximadamente. Pero me pareció interesante. No sé si está del todo logrado... pero hay algo en los colores y las líneas que estallan el rostro que me resultó sugestivo.

La caída de los límites

Queriendo expresar todo aquello que estaba encerrado en mí, descubrí que estaba preso de lo figurativo, aquel cadaver putrefacto que amenazaba con aniquilar mi vitalidad creadora. Entonces, en un acto de arrojo que posiblemente quede en lo anales de historia del arte, limpié mi canvas de figuras y amenacé a Dios con mi pincelada irreverente, cubriéndolo todo con manchas, colores plenos que desbordan en tanto tales su condición de sí.

Gracias a los verdaderos artistas, que me hicieron ver la papa. Los fuegos de artificio del realismo solo conducen a los campos sembrados -muy- de conformismo.

La siguiente secuencia quiere proclamarse enemiga de toda etiqueta, pero basicamente tiene como tema el Racismo y la Incomunicación.

(este post era irónico. o soy muy sutil o estoy muy equivocado, pero me siento obligado a aclararlo pq recibí mas felicitaciones por esto que por todo lo demas... por lo menos, si este es el camino, sepan que no me gusta!)

La luz, la ventana y la mirada

OK, lo admito. Soy impaciente. Acelerado y ansioso. Quiero que las situaciones se definan, para un lado u para otro. Quizá sea por eso que decido terminar las pinturas un poco precipitadamente, quizá antes de tiempo. Es por eso que, paradójicamente para alguien que se dice a favor de las definiciones, les dejo los contornos difusos. Sin detalles. Borrosos. Como entornando los ojos. En fin, hasta que me serene al menos, seguiré con pinturas rápidas. Esta en particular, tomó dos horas.

Sin título

The lunatic is in the hall

Un experimento, algo distinto, a ver que tal. Algo en el borde de lo alucinado, algo entre la fronteras del sueño y de la pesadilla, algo que al despertar quizá continúe allí, algo real que se transforma en dibujo. Una puerta. Una figura. Como corresponde, sin terminar. Sin perspectiva ajustada, sin refinar. En crudo. Insisto, un experimento.

Pensativa y en las Sombras

Bueno, helo aquí. Finalmente me las doy de impresionista y no avanzaré mucho más que esto. Así, como está, me gusta mucho.

Intermezzo

Cada vez con más frecuencia me asalta la misma duda. ¿Tengo que seguir, tengo que darle un acabado más "realista", o prefiero ese toque donde se perciben las pinceladas? Aún no lo tengo resuelto. Como con tantas otras cosas, me pasa que le encuentro belleza a ambas. En fin, presento aquí una versión "tosca", a la que con seguridad le seguirá una versión "refinada".




No pude resistir ni siquiera a otro post...

Maca

Nueva prueba! Esta vez, retrato vivo! Macarena se armó de paciencia y realizamos la primera experiencia de retrato en vivo con Wacom. Interesante! Fue bastante flashero hacerlo. No sabría bien decir por qué. El tiempo se hizo de plastilina. Habremos estado unas dos horas y media. Me gusta el estilo lapizozo que quedó. La expresión quedó mas triste de lo que correspondería, pero definitivamente se parece. Gracias Maquis!

Los mismos dos, en su resultado final y sin animación

Violeta

Mi sobrina.
Una prueba más en Wacom, ayer a la noche, aproximadamente unas dos horas. Intenté darle un aire más rápido, más suelto (mas sketchy). Imagino que no podré resistir y despues la seguiré para darle un toque más acabado.

Por el momento, como decía por ahí, estoy descubriendo los usos y posibilidades de esta herramienta. Así que no se espere nada demasiado creativo. Primeras impresiones:

a) El lapiz óptico que se usa sobre la Wacom es, justamente, un lapiz. Siempre tuve más control sobre el lapiz que sobre el pincel, lo que es un punto a favor; aunque esté usando un brush para simular pintura, siento que estoy dibujando.

b) En general, todo confluye a tener más control, mucho más control sobre lo que hago. Los elementos que ayudan a esto son: el zoom in y zoom out. La selección de los distintos tipos de pinceles (tamaños y formas), y no menos importante, el Color Picker. El color picker te permite controlar mucho mejor los colores que elegís (de hecho, hasta te enseña un poco de colores si lo usas con atención) y sobre todo, te permite reutilizar un mismo color que ya hayas usado, sin tener que ponerte a crearlo. Puedo agregar que poder controlar la opacidad de la pincelada (como decirlo... si está muy "diluida" o si está muy "espesa") es otra herramienta impresionante y sumamente útil.

c) Por último, el tiempo de secado no juega.

En resumen, para dar una idea más acabada, lo mismo que en oleo me llevaría un par de días y en acrílico ocho horas, con la Wacom y Photoshop me toma unas tres.

Nota: recuerden ver el gif animado en otra ventana, aquí se ve inmovil.

Wacomnizado

Despues de muchas postergaciones, dilaciones y amagues, avancé con el tema de adquirir una Wacom. Los resultados son mas que satisfactorios. Estoy chocho, puede decirse. En próximo post haré algunos comentarios al respecto, pero por el momento, los dejo con una de mis primeras pruebas. Unas tres horas y media, con referencia fotográfica, y tratando de hacer un estilo "acrilico" (no aerógrafo).

Lo puse como gif animado, de modo que pueda verse el proceso de creación. Creo que estoy transformandome en un procesista, de modo que prefiero el proceso al resultado! Opiniones por favor!

Nota: Para verlo bien deben abrirlo en otra ventana!

Generalizando porque es gratis

En toda comunidad de intereses, en todo grupo conformado de un modo u otro por alguna afinidad, por alguna temática homogeneizante, surgen inmediatamente códigos de pertenencia, axiomáticas divisoras de lo bueno y lo malo, lo correcto y lo incorrecto, lo más mejor y lo más peor, lo más bueno y lo no tan bueno, gradaciones valorativas, etc. etc.

Es así que entre los "artistas", pintores, dibujantes o ilustradores, existe una codificación estricta de donde está el cielo, y donde está la miseria. Algunos items son inconfesos, funcionan como una especie de inconsciente, algunos incluso luchamos contra esta moral del dibujo, contra la ortodoxia represiva del arte con mayusculas, decimos que no creemos en ella, que no es tan así... pero nos domina. En el fondo nos sometemos a ella.

Ejemplos:
1. Dibujar sin referencia alguna es lo más
2. Dibujar con referencia fotográfica es aceptable, pero es menos que 1.
3. Dibujar con referencia "REAL" o modelo vivo, es mejor que 2, pero peor que 1.
4. Dibujar con varias referencias fotográficas para hacer un trabajo nuevo, es mejor que 2, pero peor que 1 y 3.

En otra serie:
1. Pintar con pincel, tela y oleo, es lo más
2. Pintar con pincel, tela y acrilico, es menos que 1.
3. Pintar con pincel, papel y acrilico, es menos que 2
4. Pintar con Wacom... debe ser el rango más bajo en la evolución artistica

Ahora bien, combinando las series
1. Pintar con Wacom y con referencia fotografica, lo menos
2. Pintar con Wacom pero sin referencia fotográfica, es un poco mejor
Y pueden continuar haciendo escalas de esta manera, como más les guste.

En fin, una disgreción dominguera, publicada un lunes.